Entonces y Ahora

A PARTIR DE AHORA…

2009-06-02T00:24:00.000-07:00

Carta a Manuel Pellegrini

Antonio Jarabo Velayos

A partir de ahora, su vida ya no va a ser la misma, señor Pellegrini. Toda cambiará, pero no sabemos si será un cambio positivo o no. Lo que está claro es que a partir de ahora será reconocido en todos los ámbitos deportivos como el hombre del madridismo, el Antipep o, como diría un tal Mourinho, por el segundo plato de Florentino. Ésta es la cruda realidad con la que le va a tocar convivir en su estancia en el blanquillo de Concha Espina.

Ya no le van a preguntar por conceptos tácticos como si su equipo va a alinearse con dos mediapuntas o con un uno, si va introducir un doble pivote o si va a aprovechar las bandas con un par de carrileros. A partir de ahora, las cuestiones serán del orden de las siguientes: ¿van a fichar a Cristiano Ronaldo?, ¿qué le parece Villa?, ¿quiere galácticos o pavones? ¿Raúl está para jugar en el Madrid?, ¿por qué Guti no está entre los titulares?, ¿dónde están los canteranos?... O, en el peor de los casos, se meterán dentro de su cama y hablarán de si va a marear la perdiz aquí o allí...

Sin duda, señor Pellegrini, a partir de ahora, le tocará lidiar con un intenso ejercicio de paciencia. Sólo unos pocos elegidos saben salir bien airosos de esta maraña de flashes, cláusulas y juicios extradeportivos. Así que, prepárese para vivir unos cuantos meses, y quizás años, llenos de presión mediática y surrealismo puro y duro.

Será un particular partido de frontón en el que tendrá que manejar al mundo de la prensa con mano dura si no quiere se le suban a las barbas. Sólo existen dos posibles resultados finales: llevar al Madrid a la gloria y escribir su nombre con letras de oro en la historia de los merengues o tropezar a las primeras de cambio y que las campanas del Estadio Santiago Bernabéu toquen a muerto.

Así de sencillas son las cosas en el gran coliseo de los vikingos. Recuerde también que tendrá que hacer un encaje de bolillos para colocar en el campo a unos cuantos balones de oro, sin descuidar, claro está, que los que participen realicen un fútbol propio de los ángeles. Pero no se alarme, tendrá millones de euros a su disposición por si hay que hacer algún remiendo en el mercado invernal y contará con un número infinito de aficionados y curiosos que le dirán constantemente cómo debe hacer su trabajo.

Parece, por tanto, una tarea fácil. Puede ser, pero no sé acomode mucho en su nuevo trono, porque aunque un día se encuentre en el Olimpo de los dioses rodeado de relucientes títulos y agasajado con todo tipo de honores y alabanzas, cualquier día perderá su tirón, o su glamour, y entonces no se extrañe de que un día se encuentre con sus maletas en las puertas de Valdebebas.

A partir de ahora, permítame que le de un consejo: déjese la prudencia en la Comunidad Valenciana y entrene en Madrid como si cada día fuera el último en la capital, ya que nunca se sabe cuando hará falta una cabeza de turco. Disfrute al máximo de esta gran experiencia y de su extenso sueldo porque, sin duda, se lo merece. Y, sobre todo, si le dejan un pequeño margen de maniobra, devuelva el buen fútbol y el señorío a un club que no hace mucho tiempo fue catalogado como el mejor equipo del mundo.

Bienvenido al circo del fútbol, señor Pellegrini.

EL HUMO QUE CIEGA TUS OJOS

2009-05-14T02:42:00.000-07:00

Las Autoridades Sanitarias advierten de que el tabaco en el cine crea adicción...

Antonio Jarabo Velayos

El mundo del tabaco y del celuloide están mucho más relacionados de lo que en un primer momento puede parecer. Cuando un espectador se acerca a una película, pocas veces se percata de la enorme trascendencia que existe en la aparición de un cigarro, un puro o una pipa en la pantalla. Muchos creen que se tratan únicamente de meros complementos para llamar la atención o de accesorios que hacen más potente y creíble una situación.

Nada más lejos de la realidad. Y es que un cigarrillo, un puro o una pipa pueden ser usados en multitud de escenas y de películas con el fin de proyectar en el espectador una serie de significados ocultos. Por este motivo, el tabaco es, sin lugar a dudas, uno de los elementos más potentes a la hora de construir personales cinematográficamente.

El hábito de fumar se representa en la gran pantalla en centenares de obras y su utilización no siempre se hace de forma trivial o decorativa. Es cierto que el hecho de que un personaje fume tiene grandes posibilidades estéticas que embellecen la imagen o la denotan un amplio abanico de sensaciones: misterio, perversión, sociabilidad, elegancia… El tabaco en el cine, desde sus inicios, se ha asociado a una serie de clichés, los cuales fabrican apariencias en los personajes adictos a este vicio.

Es curioso como en los largometrajes casi nunca se enseñan las consecuencias del consumo de esta droga. En cuanto a las razones del consumo, los personajes de ficción fuman para calmar el estrés o para relajarse y pocas veces lo hacen para satisfacer su adicción a la nicotina. Pero la cosa no queda ahí, sino que muchas veces la industria del cine se vale la capacidad de influencia de este arte para promocionar el tabaco entre los espectadores, que se acaban convirtiendo en potenciales clientes.

Esta postura ha sido criticada desde diferentes sectores sanitarios por ser un método encubierto de publicidad del tabaco y por dar mal ejemplo a la sociedad incitándola a fumar una y otra vez. Y es que las estrellas de cine fuman sin sentir sus consecuencias, parecen invencibles y encima suelen ser los protagonistas, los hombres y mujeres de éxito que ponen en pie todo un estadio con su simple presencia. Esto se refleja de una forma irónica en la obra “Gracias por fumar” en la que se acusa a la industria tabacalera de engañar y manipular a la población estadounidense.

Estos estereotipos son de lo más variopintos y ayudan a la construcción de un personaje y a su caracterización. En primer lugar, hay que destacar al tabaco con un gran aliado para conseguir un efecto de seducción y de deseo. Es el caso de las películas basadas en el arquetipo de la ‘femme fatale’ o en la búsqueda de la atracción sexual. Películas como “El último cuplé” o “Instinto Básico” y actrices como Audrey Hepburn, Marilyn Monroe Julia Roberts o Scarlett Johansson son el mejor ejemplo de esta circunstancia. Con estas hermosas mujeres no sólo se logra persuadir al público en sus butacas, sino que también se hace de forma indirecta una apología y una glorificación del tabaco.

Asimismo, el humo del tabaco también es un buen acompañante de aquellos films centrados en detectives, investigaciones criminales y casos sin resolver. Todo inspector que se precie siempre dispondrá de un mechero y una cajetilla de tabaco en su gabardina. En este punto, son inolvidables las caladas de Humprey Bogart en “Casablanca” y en “El halcón maltés” o de Sean Conery emulando al agente 007.

Igualmente, un cigarrillo en la boca puede verse en otras producciones cinematográficas como un instrumento para huir de la realidad, como una vía de escape hacia la soledad, la marginación, la tristeza, la autocompasión o como la única salida al terrible sentimiento de culpabilidad o simplemente como una forma de popularización y sociabilización irreal. Harvey Keitel en “Smoke” y en “Blue in the face” reflexiona ampliamente sobre esta cuestión: una colilla puede llegar a ser el mejor amigo del hombre, su acompañante más fiel y más querido.

Por otra parte, otro sentido que proporciona el recurso del tabaco es el de la dureza y la arrogancia de aquel que fuma un pitillo. Esta figuración define a estos protagonistas como a unos seres rebeldes, insensibles y egoístas. O lo que es lo mismo, se asocia una determinada acción con actitudes de trasgresión o incluso de benevolencia. Actores como James Dean en “Rebelde” o “Gigante”, Clint Eastwood en su trilogía del dólar o como Harry Callahan, se han visto envueltos en esta clase de papeles. Más recientemente Bruce Willis, Kurt Russell o John Travolta también ha vivido esta sensación en primera persona.

Esta idea también se relaciona con el poder y la opulencia que interpretan muchos actores en gran cantidad de films. Es decir, el tabaco, normalmente el puro, se manifiestan como un signo de superioridad, riqueza y soberbia, y casi nunca se le otorga un aspecto reflexivo o cualquier tipo de rasgo emparentado con la sabiduría. En este sentido, los hombres que desempeñan el rol de líderes, tradicionalmente los que son de raza blanca, en la mayoría de las ocasiones los que cuentan con unos 60 años de edad son los personajes con mayor propensión a fumar. En consecuencia, estos personajes logran acaparar sentimientos de lo más contradictorios: admiración, envidia, prepotencia, repulsión, frustración… Destacan Marlon Brando en “El padrino” o Benicio del Toro en “Che: Guerrilla” por citar dos ejemplos bastantes conocidos.

Al respecto, cabe resaltar como el tabaco es consumido en el séptimo arte para elaborar las cenizas de toda maldad o mejor dicho de la lubricación de que aquel que fume es el malo de la película Entre los archienemigos o antagonistas de un film es común descubrir como entre sus manos se posa delicadamente un cigarro. Robert Deniro en “Uno de los nuestros”, Denzel Washington en “Training day” o Robert Walker en “Extraños en un tren” son claras muestras de esta filosofía. Este concepto se comprende rápidamente con las palabras del periodista Javier Vizcaíno: “cuando sientes el alma negra, incluso el sentido estético parece decirte que los pulmones tienen que ir a juego, de luto riguroso, con crespón color nicotina quemada”.

Por otra parte, es frecuente ver como el tabaco se emplea también como una herramienta para los festejos, para reproducir algún tipo de consenso o simplemente para simbolizar la camaradería entre dos personajes. Es la personificación viva de la conocida ‘pipa de la paz’, presente en “Fort Apache” El tabaco también consolida la amistad, la camaradería y la complicidad, recordar los momentos vividos como hacen Ian Mackellen e Ian Holm en “El Señor de los Anillos”.

Por último, no hay que olvidar que el tabaco también se encuentra vinculado en varios largometrajes con el humor y la comedia. Charles Chaplin y Groucho Marx han contribuido ampliamente a este criterio. Gracias a sus ingeniosos diálogos y a sus actuaciones burlescas, siempre con un puro de origen habano como testigo, estos grandes cómicos y maestros de la risa han conseguido dotar al tabaco de una mirada muy peculiar. En conclusión, decir que el tabaco, al igual que el cine, es mucho más que un simple placer, es una fábrica de sueños y también, como hemos visto, una fábrica de personajes.

EL CINE ES COMO UN BESO

2009-05-14T03:18:00.000-07:00

¿QUÉ ES EL CINE?

Antonio Jarabo Velayos

El cine siempre suena a beso. Los films son como un beso con su inicio, su nudo y su desenlace. Cada película es una sorpresa inesperada, te proporciona unos valores y unas percepciones abstractas. Igual que existen muchas clases de besos, existen diferentes tipos de películas y las reacciones que provocan cada una de ellas son inimitables.

Existen besos repletos de pasión y de fuegos artificiales como los que protagonizaba Ingrid Bergman en “Casablanca” o en “Encadenados” O besos calidos como los de una abuela en películas tan tiernas como las que se comparten con Forrest Gump mientras se espera al autobús. Por el contrario, hay besos fríos y llenos de ira como los de Judas en películas a prueba de cardiacos como las que protagoniza Freddy Kruguer o en aquellas obras con tintes siniestros en las que Jack Skeleton se siente como en casa. Otros besos que también son bien recibidos son los besos ocultos y clandestinos de las películas de James Bond en las que pase lo que pase siempre hay tiempo para el amor. También están los besos furtivos y peligrosos como los que nos cuesta arrancar de las cintas de Silvestre Stallone o Bruce Willis.

Pero, sobre todo, lo que más hay son besos de bienvenida al irremplazable mundo del cine. Son besos en color o en blanco y negro, con sonido o mudos, encerrados en las salas del Van Dick o descargados desde Internet. Pero, al fin y al cabo, el cine como cualquier buen beso, siempre nos deja un buen sabor de boca y nos produce algún que otro sobresalto.

Sea como fuere y, aunque la tecnología cinematográfica esté evolucionando constantemente, el cine seguirá siendo siempre como un beso. Besos que entrarán en las casas y revolotearán sobre las mejillas de los presentes, se colarán en las palomitas de los glotones, sacarán de sus casillas a los acomodadores y se reirán con los chistes de Eddie Murphy. Hasta que un día, finalmente, lleguen al patio de butacas, donde habitarán entre las personas hasta convertirse en besos tristes de despedida.

LA LEYENDA DEL LAGO DE SANABRIA

2009-05-14T03:10:00.000-07:00

GUIÓN DEL MICROESPACIO "LEYENDAS DE IDAS Y VENIDAS"

Antonio Jarabo Velayos

CONTROL INDICATIVO DE “CASTILLA Y LEÓN EN ONDA”

CONTROL SINTONÍA C. BURANA – O FORTUNA PP/PF

CONTROL CARETA PROGRAMA PP

CONTROL SINTONÍA C. BURANA – O FORTUNA RESUELVE

CONTROL MÚSICA M. ROZSA – VALLEY OF DEAD PP/PF

LOCUTOR 1 Hola, bienvenido/bienvenida un día más a “Leyendas de idas y venidas”. Un espacio que quiere ser una invitación a la fantasía, a los sueños y a la utopía. Castilla y León es una tierra de versos y leyendas. Un lugar donde los pueblos se han quedado preñados de curiosas narraciones como la que hoy centra este espacio. Un relato transmitido de generación en generación que nos explica cómo nació el Lago de Sanabria, en Zamora.

CONTROL EFECTO ATMÓSFERA DE SUSPENSE PF

LOCUTOR 2 Cuenta la leyenda que hace muchos, muchos años, cuando Zamora todavía no existía, cuando ni siquiera el tiempo existía porque nadie había inventado nada para medirlo, un suceso fantástico marcó un antes y un después en la tierra zamorana. Los más longevos de la zona aseguran que en el mismo valle donde hoy duerme el Lago de Sanabria habitaba un próspero pueblo llamado Valverde de Lucerna.

LOCUTOR1 Un día de invierno, con la cellisca silbando y el viento trayendo frío y nieve, un anciano, pobre, barbudo y encogido, mal abrigado en sus harapos y ataviado con un bastón, pasó por el pueblo pidiendo caridad.

CONTROL EFECTO FUERTE VENTISCA PP

CONTROL EFECTO HOMBRE CAMINANDO CON BASTÓN PP

LOCUTOR2 Viendo lo recio del temporal, la gente ni siquiera se acercó a las puertas y ventanas de sus casas, desoyendo la llamada de socorro. Tan sólo una amable mujer se apiadó de él. Le abrió la puerta y le invitó a sentarse a los pies de la chimenea.

CONTROL MÚSICA M. ROZSA – VALLEY OF DEAD RESUELVE

CONTROL EFECTO CREPITAR DEL FUEGO PP

LOCUTOR1 Cuando el mendigo cogió calor, la dueña de la casa, en un acto de generosidad, le ofreció cobijarse allí hasta que cesará el mal tiempo. Ante la negativa del hombre, la dama le llenó el zurrón de pan y le acompañó hasta las faldas del monte.

CONTROL SONIDO PASOS SOBRE LA NIEVE PP

LOCUTOR2 A medida que el peregrino ascendía por la montaña, se fue recuperando de todos sus males y presentó una figura cada vez más alta, joven y erguida. Ya en la cima, el misterioso caballero, volvió su mirada hacia el pueblo. En ese momento, el viajero clavó con fuerza su bastón en el suelo y exclamó con voz atronadora.

CONTROL EFECTO GOLPE ESPECIAL CON BASTÓN PP

MENDIGO ¡¡¡Aquí clavo mi bastón, aquí salga un borbollón!!!

LOCUTOR1 Al instante, la tierra se resquebrajó como si se tratará de un simple trozo de pan. Desde las profundidades del valle, brotó un fuerte chorro de agua que inundó el pueblo en cuestión de minutos.

CONTROL EFECTO TROMPA DE AGUA PP

LOCUTOR2 Según el acervo popular, los lugareños sólo pudieron salvar una de las dos campanas de la iglesia. La otra, la campana de Santa Bárbara, se quedó sumergida, sonando únicamente en los días de tormenta. Muchos ancianos dicen que las personas que son caritativas son capaces de oír el tañido de la campana que reposa en el fondo del lago.

CONTROL EFECTO REDOBLE DE CAMPANA PP

LOCUTOR1 Este es el relato de cómo se formó el Lago de Sanabria en Zamora, el lago de origen glaciar más grande de Europa. Una historia que entraña en sus palabras una bonita enseñanza. Al pobre le faltan muchas cosas, pero al avaro le faltan todas. ¿Estamos ante un mito o una realidad? Quién sabe si la verdad forma parte, o no, de esas leyendas de idas y venidas.

CONTROL EFECTO ATMÓSFERA DE SUSPENSE RESUELVE

CONTROL INDICATIVO DE “CASTILLA Y LEÓN EN ONDA”

LA DELGADA LÍNEA ENTRE EL AMOR Y LA OBSESIÓN

2009-05-14T03:08:00.000-07:00

ÉL

Antonio Jarabo

La película “Él” es un film rodado por Luis Buñuel en 1953 y que ha pasado a la historia como una de las 100 mejores obras del cine mexicano. Se trata de una historia de amor, con fuertes dosis de fetichismo, en la que se explica como la línea entre el amor y la obsesión es muy delgada. El tema principal de esta cinta es como el amor incondicional puede cegar hasta límites insospechados y puede llevar a una persona cuerda a saltarse todo tipo de barreras: desde arrebatarle el amor a un amigo, hasta torturar e intentar asesinar a ‘ese oscuro objeto de deseo’ que es la mujer amada.
Además, en esta producción también se percibe una fuerte crítica a la religión cristiana a la que se tacha en ciertos pasajes del film como una fe machista e insolidaria que no quiere ver más allá de sus problemas. Se muestra una parte de la religión trufada con una visión extremadamente conservadora y estrecha. Estos parámetros religiosos son los que se más brillan en el comportamiento del protagonista, ya que al ser un hombre creyente y devoto, ésta es la enseñanza que ha recibido desde su infancia.
En cuanto al reparto de la película, es destacable como los personajes principales están perfectamente definidos con dos personalidades opuestas y que, al mismo tiempo, se complementan. Es decir, por un lado, Francisco representa la decisión, la dominación y la posesión, mientras que Gloria refleja la adoración, la sumisión y el sacrificio.
El personaje de Francisco vive tan ‘encandilado’ de su mujer que no cesa de controlarla constantemente, siente celos de todo el mundo y paga sus inseguridades acusando a su esposa de tener una actitud demasiado abierta con los hombres. Siente un miedo atroz a que su mujer se enamore de otro y le abandone, por eso, no puede evitar acecharla en todo momento y castigarla cuando se siente engañado.
Por una parte, este temor es lógico, puesto que el amor puede surgir en cualquier parte, hasta en un lavatorio de pies. Sin embargo, lo que no es lógico es que sus celos le lleven a sufrir paranoias y alucinaciones hasta el punto de que se convierten en una enfermedad. En este sentido, da la sensación de que para Francisco, su mujer es como un trofeo del que alardear y, al mismo tiempo, es como una religión a la que venera y a la quiere por encima de cualquier cosa.
Llegados a este punto, es necesario subrayar como el papel de Francisco resulta muchas veces ridículo e insoportable como consecuencia de su ‘empecinamiento’ por ganar un pleito perdido, por ser un hombre de opiniones volátiles y por vivir rodeado de envidias y supersticiones. Es por esta razón por la que en muchos instantes Francisco recuerda a un niño caprichoso y malcriado que está acostumbrado a tener la razón.
No obstante, Gloria supone todo un recopilatorio de las virtudes femeninas de la época, siendo una dama dulce, sensible, comprensible, siempre dispuesta y tremendamente educada. Es sorprendente como la actitud de Gloria es siempre correcta, incluso cuando su grado de frustración es elevadísimo, ya que nadie la escucha ni la entiende y todos intentan darle consejos inútiles. Se siente desgraciada y desamparada porque está viviendo una pesadilla de malos tratos y anulación como si estuviera secuestrada bajo la prisión del estamento del matrimonio. Por este motivo, su única salida es recurrir a la ayuda de su amigo y antigua pareja, Raúl.
A medida que avanza la trama de “Él”, se observa como Gloria va descubriendo que debe ser ella la que luche por sí misma y por su libertad e independencia. Para ello, no debe de buscar ayuda fuera, puesto que nadie conoce al ‘auténtico’ Francisco, y debe reunir fuerzas para revelarse ante un ser que se encuentra enfermo de celos.
Uno de los rasgos que más llama la atención de esta obra es la habilidad de su director para sugerir información. En este film, se emplea a la perfección la norma que debe seguir todo buen cineasta: mostrar mejor que decir. Y es que hay multitud de situaciones en los que Buñuel opta adecuadamente por dar información al espectador por medio de sutiles ‘pinceladas’ antes que caer en el recurso fácil del diálogo.
De este modo, el público puede inferir muchas de las características de la personalidad del protagonista. Por ejemplo, se deduce que Francisco es un hombre observador, meticuloso y maniático por la forma en que coloca los zapatos de su mujer o cuando percibe que el cuadro de la habitación está ligeramente movido. Asimismo, se hace evidente que Francisco es muy egoísta por el detalle de que sólo se saca fotos suyas con los monumentos.
También es muy acertado emplear la voz en off de Gloria para contar sus penurias y desventuras a su amigo Raúl, porque, de esta manera, se atrae aún más la identificación y la compasión del público con la amargura que está sufriendo Gloria, es como si Gloria estuviera confesándose con los espectadores y les estuviera pidiendo ayuda desesperadamente. Sin embargo, lo que no tiene ningún sentido es el episodio de los falsos disparos, ya que no aporta nada nuevo a la historia y además no sorprende apenas porque ya se sabe que le mujer está perfectamente. Es una escena para rellenar y parece totalmente prescindible.
El final de la película es un ‘happy-end’, aunque también es un desenlace muy abierto, ya que, a pesar de que la obra concluye con Francisco recluido en un convento y con Gloria casada y madre de un hijo, se deja abierta la puerta de que Francisco vuelva algún día en busca de Gloria, puesto que aún no ha curado su obcecación por ella. Es una resolución poco llamativa porque todo apuntaba desde los inicios de la relación a que todo acabaría con algún enfrentamiento o con alguna tragedia. Se esperaba una conclusión más poética y dramática al estilo de otras producciones en las que el amor es imposible como Noviembre dulce o Titanic. La película tiene, por tanto, una estructura cíclica: comienza con Gloria como pareja de Raúl y Francisco sólo y refugiado en la religión, la única disciplina que le da calma, y acaba exactamente igual. Es un final equilibrado y justo que otorga la felicidad a Gloria y la desgracia a Francisco.
En resumidas cuentas, esta obra de Buñuel es, en cierto modo, una historia dual en la que se muestra la cara y la cruz de la vida. La cara llevaría consigo la moraleja de que, a pesar de todos los males que se sufran, la felicidad siempre es posible, y la cruz consistiría en la amarga sentencia del desconsuelo y el rechazo. En este punto, Luis Buñuel conoce el secreto para conmover y embriagar al público.

LA BALANZA DE LA JUSTICIA SIEMPRE SE NIVELA

2009-05-14T03:07:00.000-07:00

TESTIGO DE CARGO

Antonio Jarabo

“Testigo de Cargo” es una adaptación de una novela de Agatha Christie en la que Billy Wilder da vida a un ‘whodunit’ con tintes románticos. Se trata de un film ambientado en la Gran Bretaña de los años 50 y en los procedimientos judiciales de la época. Este título se adecua perfectamente al mundo del cineasta hollywoodiense en el que nada es lo que parece y todo resulta ser un engaño.
A esta circunstancia, contribuyen ampliamente los arquetipos de rufianes y pillos que colapsan este film, llegando a provocar que el espectador no confíe en nadie en ciertos pasajes de esta producción. Y es que en esta proyección, se revelan personajes muy humanos, imperfectos y antihéroes, lo que produce una sensación de desconfianza, pero también de identificación con algunos de sus protagonistas. Se ofrece una baraja de naipes de los más variada formada por un abogado irresponsable y charlatán, un acusado atemorizado, una enfermera hilarante y una mujer fría y calculadora.
En esta obra, se descubre la personalidad y el buen hacer de Wilfrid “El Zorro”, interpretado por un soberbio Charles Laughton, un abogado malhumorado y testarudo que a pesar de comportarse ‘como un niño’, dispone de una lucidez brillante a la hora de exponer sus argumentos. Este personaje destaca no sólo por ser un tanto gruñón, sino también por los excelentes y agudos diálogos que mantiene a lo largo de todo el largometraje. Sus intervenciones, llenas de ironía, sarcasmo y clarividencia recuerdan al estereotipo actual del personaje del Doctor House, sobre todo, por el hecho de que parece que cada vez que abre la boca va a sentar cátedra.
El juicio con el que comienza la trama nos anticipa desde los primeros compases del film cuál va a ser el tono en el que se va a mover la historia que no es otro que dar respuesta a la pregunta de ¿quién es el asesino de la señora French? A medida que Wilfrid y el propio espectador van conociendo detalles del crimen, ambos quedan atrapados en el suspense y la intriga que tan bien sabe dosificar Wilder durante la obra.
El argumento de la película se centra en la defensa de Leonard Vole (Tyrone Power), acusado de asesinato. El estímulo que sirve de ‘gancho’ no es otro que la aparente situación de desesperación de Vole y la convicción de su abogado de que su cliente es inocente. Toda la trama se complica con la aparición de Marlene Dietrich en su papel de Christine, una inquietante mujer casada con Vole y que desde sus primeras palabras deja entrever que oculta un secreto. La suma de todas las pruebas del caso más la actitud desconcertante de Christine hacen que la obra se convierta en una ecuación con varias incógnitas por resolver. Según van avanzando los acontecimientos, todo parece ponerse en contra de Vole y eso hace que el relato cinematográfico sea aún más atractivo, ya que cuánto mayor es la montaña a escalar, mayor será la satisfacción de poder llegar a la cima.
Entre los puntos fuertes de “Testigo de Cargo”, hay que destacar el magnífico uso de los flash-backs con los que se cuenta la historia ‘por fascículos’ desordenados como si se tratara de una especie de puzzle que se va reconstruyendo. También es de alabar la música empleada en estas escenas debido a que ésta cumple afinadamente su función de reforzar los estados de ánimo de cada una de las situaciones. Por otra parte, como es habitual en la mayoría de las obras de Wilder, los objetos también ocupan una posición privilegiada en la trama. Es el caso de la introducción del acordeón y la batidora como elementos de seducción o el simbolismo del haz de luz del monóculo como un dedo acusador o una curiosa de maquina de la verdad que escudriña al milímetro las reacciones de los personajes.
Asimismo, la utilización de los planos medios y generales en la película durante sus casi dos horas de duración hacen que la realización sea bastante aséptica. Es decir, lo que se pretende es premiar los ingenios diálogos por encima de las florituras de la cámara y los posibles embellecimientos de la imagen. En este sentido, merecen una mención especial los planos de carácter subjetivo explotados desde la perspectiva del estrado, lo que esgrime una identificación del destinatario con los sentimientos de los declarantes, en especial, con la angustia que atesora a Leonard Vole en su alegato final.
Es, precisamente, la resolución final uno de los aspectos más criticados por los detractores de este film que ven como el último acto peca de un cierto grado de artificiosidad. Es cierto, que en tan sólo cinco minutos se solucionan todos los avatares montados a lo largo de la cinta, pero también es verdad que se trata de una conclusión conveniente hilvanada y sorprendente. La balanza de la justicia se nivela de una forma inesperada, sobrepasa ferozmente los anclajes del amor incondicional y logra que todos los misterios queden atados cabalmente.

EN EL AMOR SIEMPRE HAY ALGO DE LOCURA

2009-05-14T03:05:00.000-07:00

La fiera de mi niña

Antonio Jarabo Velayos

Ironía, complicidad, surrealismo y locura irrefrenable son algunos de los ingredientes que hacen de “La fiera de mi niña” una de las mejores comedias de la historia del cine y la principal muestra de la llamada comedia enloquecida de los años 30. Esta película, dirigida por el director americano Howart Hawks, es, sin lugar a dudas, un título fundamental en la filmografía de cualquier cinéfilo.

Los auténticos puntos fuertes de esta obra se encuentran en un guión profundamente ingenioso y en unas interpretaciones superiores. En este sentido, ambos elementos conjugados producen un resultado difícil de igualar. Sus escritores, Hagar Wilde y Dudley Nichols, supieron exprimir el jugo de la típica trama amorosa hasta el punto de llegar conquistar al auditorio en los primeros minutos de la proyección.

Para ello, la herramienta empleada se basa en mostrar claramente las contradicciones entre lo que hacen, dicen y sienten los protagonistas. El juego de miradas entre ambos es un recurso muy bien utilizado en este sentido. Igualmente, también es muy acertada la fórmula de implantar progresivamente pequeños entuertos en la trama para que los personajes vayan solucionándolos juntos hasta llegar a un carrusel de conflictos que desembocan en la cárcel.

Desde el punto de vista del guión, es de alabar la perfecta construcción de los personajes interpretados por Kathernie Hepburn y Cary Grant, los cuales gozan de unos papeles muy bien definidos y que combinan de una forma sublime en la gran pantalla. Por un lado, Cary Grant da vida a David, un paleontólogo racional, responsable y educado, pero también algo tímido, dubitativo y maleable. Por el contrario, su ‘cruz’ en la ficción será representada por Katherine Hepburn en el personaje de Sussan, una joven alocada, impetuosa e impaciente, pero que descubre en David al amor de su vida.

La relación entre ambos es evidentemente el aspecto que más emociona del largometraje y a la vez es la clave sobre la que gira todo la trama. Su relación se podría relatar como un choque de trenes, un tira y afloja o una bomba de relojería, pero más bien consiste en una especie de partida de ajedrez que ambos juegan instintivamente. En un principio, los dos se quieren, pero ninguno se atreve a reconocerlo por miedo a dejarse al descubierto. Es como una montaña rusa repleta de altibajos en la que el destino acabará juntándoles una y otra vez y entrelazará sus vidas irremediablemente.

En cuanto al argumento, la historia envuelve al público desde el primer segundo gracias a la insensatez y a los golpes de efecto que revitalizan la película constantemente. En este film, Howart Hawks logra el difícil cometido de no aburrir al espectador gracias a una simbiosis de hechos que no concuerdan aparentemente, pero que finalmente sirven para crear manifestaciones muy potentes. La obra carece de cualquier tipo de suspense, ya que desde la primera escena, es previsible que entre los protagonistas hay algo especial, sin embargo, es capaz de enganchar explotando la curiosidad que existe en ver cómo dos personalidades tan distintas terminarán enamorándose como sucede con el magnetismo de dos polos opuestos.

Se trata de un film espectacular gracias a la sencillez con la que se consigue que cualquier circunstancia cotidiana acabe convirtiéndose en una realidad embarazosa, llena de diálogos sagaces y terriblemente sugerentes. Buena culpa de ello la tienen la integración de elementos de atrezzo muy particulares (pelota de golf, teléfonos, costilla intercostal…), la inclusión de coches y animales como un plus humorístico y el buen manejo de los juegos de palabras, los dobles sentidos y los significados latentes. Es cierto que, en ocasiones, estas situaciones son forzadas y sin sentido, pero tratándose de una comedia histriónica éste semblante es un mal menor.

Esta idea del simbolismo subyacente queda representada en la famosa escena en la que Sussan engaña por teléfono a David para que éste vaya a visitarla. En esta escena, se demuestra cómo narrativamente se puede decir todo sin pecar de ser demasiado explícito. A partir de ahí, toda la película cambia y la pareja ya conoce cuáles son sus sentimientos, aunque ninguno lo haya reconocido abiertamente. Es una de las escenas más memorables de toda la obra.

Un aspecto que llama la atención es el predominio de los planos medios largos en los que prima tanto el personaje como el escenario en el que se sitúan. Lo más lógico hubiera sido poner más hincapié en los primeros planos o planos más cerrados para estimular más la expresividad de los actores y reflejar mejor sus emociones, sentimientos, reacciones, gestos... Aunque quizás este método podría ser un inconveniente a la hora de conseguir que el ritmo de la película sea trepidante.

Por último, también es resaltable la importancia que se da en este largometraje a la canción “Todo te lo puedo dar menos el amor, babyyy…” que, a parte de ser un mecanismo más para incitar la comedia, sirve como resumen del planteamiento que revolotea en los más de cien minutos que dura el film: el amor no se puede dar, simplemente surge cuando menos te lo esperas. En definitiva, “La fiera de mi niña” es una obra cinematográfica impresionante que deja al espectador embelesado mientras visiona el film. En resumidas cuentas, es de esas películas que uno siempre recuerda con una sonrisa en la cara.

SEXO, DROGAS Y ROCK 'N' ROLL

2009-05-14T03:03:00.000-07:00

HISTORIAS DEL KRONEN

Antonio Jarabo

“Historias del Kronen” es una crónica de la juventud de los años noventa, que aprovecha la noche y cualquier excusa para vivir sus aventuras en busca de mil y un placeres. Se trata de la historia de un grupo de amigos que actúan sin control ni ningún atisbo de inhibición, sin pensar en las consecuencias, como si el mañana no existiera. Este caos cesa cuando se produce un suceso traumático con el que los chicos abren los ojos y descubren que la vida no es un juego.

Por otra parte, esta obra no sólo muestra una visión desmesurada del estilo de vida que marcó a una generación, sino que también aborda el tema de las relaciones sociales. A lo largo de todo su metraje, se cuestiona el ideal de la verdadera amistad como un aspecto utópico difícil de encontrar en un mundo tan frívolo y materialista como en el que vivimos (“la amistad es para los débiles, los fuertes no necesitamos a nadie”).

Esta producción de Elías Querejeta, intenta ser el reflejo de la cara desenfrenada de la juventud. Para ello, hace uso de un vocabulario coloquial inundado de tacos y jerga adolescente, música a todo volumen y la atmósfera de la fiesta madrileña. A todo esto, hay que sumar la ambición del film de materializar cinematográficamente el legendario lema de “sexo, drogas y rock and roll” a través de un grupo de ‘niñatos descerebrados’ cargados de excesos, obscenidad, sueños imposibles y desencanto.

Estos personajes adolecen de un deseo irrefrenable de acabar con la monotonía y prefieren vivir altibajos antes que convertirse en adultos. El líder de esta cuadrilla de amigos es Carlos, un joven inquieto, engreído y rebelde. En definitiva, un chico atormentado que disfruta haciendo y diciendo todo aquello que está mal visto socialmente. Carlos representa, por lo tanto, el máximo exponente de esta filosofía de vicio y de ruptura de límites sobre la que esta película hace hincapié.

Como inconvenientes, hay que decir que esta película resulta en ciertos momentos ridícula, casi incómoda de ver, porque está repleta de tópicos y prejuicios infundados, está carente de un argumento sólido, y plagada de actuaciones nefastas y poco creíbles. La única interpretación que a mi juicio está a la altura es la de un Jordí Mollá que combina afinadamente la locura y la sensatez en el papel que da vida a Roberto. Sin embargo, todas estas debilidades se ocultan hábilmente gracias a que la cinta cuenta con un ritmo vibrante que mantiene al espectador pegado a la butaca. Este dinamismo se transmite perfectamente al público a través de la pantalla, consiguiendo que al espectador le surjan unas enormes ganas de visitar la sucia y rancia ‘Cervecería Kronen’.

Durante buena parte del film, la historia es bastante desconcertante, no parece que lleve a ninguna parte, ya que no sé sabe en qué consiste la trama. El relato está rodado con una estética que recuerda al género del documental y con un montaje muy simple con la intención de dotar a la obra de un fuerte realismo y de una dureza sorprendente. Este rasgo se hace aún más patente en el punto culmen del film en el que se opta por tratar la muerte del inocente Pedro desde el punto de vista de una cámara casera, lo que otorga mucho más impacto a la escena. Ese instante supondrá un golpe de madurez forzado, ‘descenderá’ los egos de los jóvenes a la tierra y les extirpará brutalmente su jovialidad.

El final del film, abierto y sin resolver, refleja simbólicamente el trayecto desde la rabia y la culpabilidad por la muerte de Pedro hasta el metafórico ‘suicidio’ que cobra vida en Carlos, al que le da igual lo que le pase, puesto que pretende ‘cargarse’ su propia vida y la de sus compañeros desvelando que ellos mataron accidentalmente a su amigo Pedro. Es curioso en este punto como Carlos, por primera vez, decide hacer frente a un problema y ser responsable de sus actos. En mi opinión, en este punto hay un cierto intercambio de personalidades entre Carlos y Roberto, ya que en un principio el que quiere destruir la grabación es Carlos y, posteriormente, es Roberto el que quiere pasar página borrando el contenido de la cinta.

En resumidas cuentas, “Historias del Kronen” es una película dura, agresiva y urbana, que nos muestra el desaliento de la juventud en el Madrid de los noventa, pero que, lamentablemente, se queda en un simple esbozo de la atractiva y peligrosa mentalidad juvenil. Entretenida, pero nada más.

SIMPLEMENTE TERROR DEL BUENO

2009-05-14T03:01:00.000-07:00

EL RESPLANDOR

Antonio Jarabo

“El Resplandor” es una de las mejores películas rodadas por Stanley Kubrick. Se trata de una adaptación de una obra literaria escrita por Stephen King en 1977 en la que la locura y el terror psicológico son sus principales estrellas. En esta película, Kubrick consigue que los espectadores se queden pegados al sillón sin apenas pestañear gracias a un manejo excelente de la tensión y el suspense. Su truco no consiste en colmar el film de espectaculares efectos especiales, ni en desarrollar trama arduamente complicada. Simplemente, nos abre su mente y nos invita a pasar unas horas dentro de su inquietante cabeza.

El relato de la película cuenta como Jack Torrance (Jack Nicholson) intenta ganarse la vida como escritor. Mientras intenta alcanzar su sueno, Jack consigue un puesto como vigilante en el Hotel Overlook, una estancia que permanece cerrada durante los meses de invierno. En este cometido, Jack estará acompañado por su mujer (Shelley Duval) y su hijo (Danny Lloyd), los cuales no se imaginan la terrible pesadilla que les aguarda el destino. Para que el argumento cobre un mayor interés, Kubrick introduce en la ‘coctelera’ a un niño con curiosos poderes de premonición, unas gemelas fantasmagóricas y un torrente de sangre que vaticina ‘el redrum’ (la muerte). El resultado es un elixir cinematográfico potente y atractivo, que no deja indiferente a nadie.

Sin embargo, todo este relato se pone en cuestión totalmente al final del largometraje, ya que la última imagen revela que Jack lleva muerto desde hace bastante tiempo. Con este plano, Kubrick logra su propósito que no es otro que hacer de su film una fábrica de sueños. Es decir, Kubrick hace magia en tan sólo unos segundos: logra desmontar todo el argumento e incitar al público a que replanteé todo lo que ha visto e intente confeccionar sus propias conjeturas. Con esta herramienta, el autor logra algo que parece imposible, que cada persona elabore en su propio interior una explicación diferente.

La estructura de la cinta, fragmentada en diversos capítulos, es también todo un acierto del director, quién con esta división aumenta aún más la incertidumbre por conocer el desenlace de la trama. A pesar de su montaje en episodios, la verdad es que la película no es nada fácil de entender, un aspecto que puede no gustar a un público acostumbrado a llevar siempre el control de la película. Por esta razón, lo más recomendable es ver “El Resplandor” varias veces para descubrir decenas de detalles que en un primer momento pasan desapercibidos y así llegar a comprender esta obra maestra en todo su esplendor.

En mi opinión, buena parte del éxito de esta película recae en el brillante papel que interpreta Jack Nicholson, un escritor que sufre de insomnio y que acaba volviéndose loco fruto de ‘la nada’ que habita el hotel en el que se hospeda con su familia. Esta febril demencia llevará a Jack Nicholson a realizar una cruel persecución contra su familia, la cual concluirá con una de las muertes más recordadas de la historia del cine. Lo más destacable de Jack Nicholson es lo bien que adapta a su personaje el empleo de una mirada psicótica y una sonrisa maniática que, junto a la excelente banda sonora, convierte a esta película en una historia realmente perturbadora, pero al mismo tiempo fascinante.

En cuanto a la planificación, no se puede hablar de “El Resplandor” sin hacer mención al famoso plano en el que la cámara sigue el paseo del niño sobre su triciclo por los angostos e interminables pasillos del hotel. Gracias a imágenes como esta, se hizo popular el uso de la steadycam. También es de alabar las suculentas perspectivas que muestra la cámara en muchas de las escenas y la estética de gran angular empleada, ya que gracias a estos recursos el destinatario se empapa de las emociones que viven y padecen los personajes.

Llama la atención como a lo largo de la cinta se pueden localizar varios errores, una circunstancia que choca frontalmente con el carácter detallista del director. Y es que Kubrick era un director muy exigente, tremendamente meticuloso y lleno de excentricidades. Entre estos fallos cabe destacar como en la escena de los hachazos en el baño, se observa como los boquetes producidos en la puerta no son los mismos cuando se cambia de un plano a otro. Sabiendo lo perfeccionista que era Kubrick es muy probable que este sea un error voluntario, para dar a entender sutilmente que todo es un incomprensible juego de la mente.

En resumidas cuentas, la esencia de esta producción reside, precisamente, en la duda con la que el espectador se queda después de su visionado. Esa imposibilidad de explicar las cosas que pasan hace que esta obra sea sublime. En “El Resplandor” el surrealismo y el terror van unidos de la mano con la misión de ofrecer al gran público algo que no se espera, un hecho que el cerebro humano no puede soportar.: una historia sin resolver. A todos aquellos que acudan al cine con la intención de relajarse y no pensar, les advierto que esta película no se lo va a permitir porque se trata de un cine de terror casi en extinción, simplemente terror del bueno.

UN WESTERN QUE NO PASA DE MODA

2009-05-14T02:53:00.000-07:00

El hombre que mató a Liberty Valance

Antonio Jarabo Velayos

Cuando ves una película lleno de expectativas, lo más habitual es que el film te acabe decepcionando. No obstante, con “El hombre que mató a Liberty Valance” sucede todo lo contrario, aunque no te sientas especialmente identificado con el género del western, terminas amándolo e interesándote por las peculiaridades de este relato. Y es que esta obra no es una producción cualquiera, sino el mejor western rodado por John Ford, entre otras razones, por lo bien que en él se transmite la estética (acertada elección de los exteriores) y la ley del oeste: un ambiente polvoriento en el que la justicia balística está al orden del día.
Además, esta cinta representa el inicio de un nuevo género cinematográfico. Se trata del western crepuscular en el que la decadencia y la pérdida de la épica son dos rasgos fundamentales. Esta idea se observa perfectamente en la trama de “El hombre que mató a Liberty Valance”, en la que se representa hábilmente la evolución de una sociedad sin reglas hacia una sociedad civilizada. En este film, se edulcora la violencia y los vaqueros ya no son luchadores honrados, sino hombres con fisuras que pasan más tiempo hablando de épocas mejores que disparando. De hecho, la historia está contada mediante un gran flash-back en el que el protagonista cuenta sus ‘desventuras’ a un afamado periodista de la zona.
John Ford se caracteriza por ser todo un experto en trabajar el interior de los personajes y eso se nota en “El hombre que mató a Liberty Valance”, principalmente, en la disección que realiza de los personajes principales. Este es el caso de Tom Doniphan (John Wayne), hombre rudo, galante, valiente y respetado, pero que no es capaz de asumir el peso de liderar al pueblo; de Ramsom Stolar (James Steward), hombre de leyes, justo, honorable y racional, un idealista que se aferra más a las palabras que a la violencia; y de Liberty Valance (Lee Marvin), un pistolero sin escrúpulos, asesino y saqueador, que tiene amedrentada a la población y que sólo piensa en su propio provecho.
Si profundizamos más en la personalidad del protagonista y del antagonista, descubrimos como ambos reflejan dos arquetipos claramente definidos. Liberty Valance refleja el estereotipo de un dictador que se ríe de la ley, que ningunea al comisario del pueblo y que acaba con la libertad de prensa. Mientras que el personaje de Ramsom Stolar es el que más atrae a la sala de butacas porque desde nuestra postura de ‘mirones’ siempre nos identificamos más con el perdedor, el indefenso y el débil antes que con el típico abusón deslenguado.
La película se centra en la dicotomía entre la fuerza y la razón. Es un canto a la libertad y a la democracia frente a la fuerza bruta y sin sentido. Sin embargo, en el film se muestra una visión tremendamente realista en la que se hecha por tierra la creencia de que “dos hombres no luchan si uno no quiere” hasta el punto de que el propio James Steward, la gran ‘víctima’ de la trama, llega a afirmar que “de nada sirven las palabras contra la fuerza”. Es, en resumidas cuentas, una lucha de ‘titanes’ entre el bien y el mal o, mejor dicho, entre la cabeza y el corazón. Esta idea también se proyecta en la pugna pacífica librada entre Tom Donyphan (hombre duelista) y Ramsom Stolar (un soñador adelantado a su época) por el amor de la hermosa Hally (Vera Miles). Pero, curiosamente, estos roles giran a medida que avanza el relato y al final es Stolar el que triunfa gracias a un engaño y Donyphan el que se sacrifica en un claro acto de amor y de nobleza.
Si hay algo que me gustaría resaltar, especialmente, en el cine de Ford es su gran humanidad. Sus películas son un homenaje al sentimiento americano, al compañerismo, a la familia, a los antepasados, a las tradiciones, al valor, al deber, a la justicia y a la honestidad. Asimismo, la simplicidad de los planos, la excelente fotografía (gran fuerza visual) y la sencillez argumental hacen que esta obra maestra de John Ford sea más fácil de recordar por el público. Por otra parte, en el tema de la iluminación, se perciben algún que otro guiño al movimiento del expresionismo alemán en escenas con elevadas dosis de tensión como son el ataque de Liberty Valance al periódico o el esperado duelo entre el héroe y el villano.
Como notas negativas, es necesario mencionar que hay algunas situaciones en la película que no se entienden como, por ejemplo, que exista un comisario tan abobado, inútil y cobarde o que nadie se atreva a pararle los pies al enemigo común. En este punto, es incomprensible por qué Tom Donyphan no se enfrenta mucho antes al personaje que interpreta Lee Marvin. Por otra parte, el hecho de que John Ford apenas mueva la cámara durante el rodaje del film (estilo muy natural) hace que el espectador se sumerja más fácilmente en la historia, pero también implica que el ritmo sea algo lento y pesado en ciertos pasajes del largometraje.
La conclusión con la que se queda el espectador es bastante inquietante porque el último acto de la película nos viene a revelar el hecho de que los ciudadanos admiran al ‘gran’ senador Stolar no por ser un caballero que ha instaurado la ley y el orden en el territorio, sino por ser el ‘supuesto’ asesino de un hombre despreciable. Es evidente que esta circunstancia no deja en muy buen lugar a la condición del ser humano. Un aspecto que te hace reflexionar sobre la naturaleza de nuestros deseos más íntimos.
En mi opinión, “El hombre que mató a Liberty Valance” es una obra que merece un sobresaliente por su enorme capacidad para atraer tanto a los seguidores de las películas de acción como a los que buscan en la gran pantalla un aire más intelectual y reflexivo. A pesar de ser una película producida hace bastantes años, es un film que no desentona en absoluto en la actualidad, ya que se centra en temas que nunca pasarán de moda como son la libertad, la justicia, la camaradería y el amor. De este modo, con títulos como éste, Ford ha contribuido a popularizar el western y hacer de él un género respetado y valorado.

A VECES, EL AMOR ES IMPOSIBLE

2009-05-14T02:49:00.000-07:00

Drácula de Bram Stoker

Antonio Jarabo Velayos

Existen pocas películas que tengan la capacidad de absorber la atención del espectador al 100% y esta obra de Francis Ford Coppola es una de ellas. Cuando ves “Drácula de Bram Stoker” te olvidas de todo lo demás y te sumerges en una historia que te hace abrigar sensaciones encontradas, ya que, por una parte, se siente compasión por un ser cuyo principal pecado es haber amado con locura, pero, por otra parte, también se profesa repulsión hacia una ‘bestia’ que encarna al mismísimo diablo. Se trata, por tanto, de un relato amargo que tiene muchos rasgos en común con la novela romántica de “Romeo y Julieta” de William Shakespeare, puesto que en ambas se narra la desdicha de perder el amor.

Uno de los aspectos que hace que este film sea tan especial y recordado es la maestría con la que Coppola crea en este drama una atmósfera neogótica, lúgubre, terrorífica y a la vez seductora, que permite inundar la pantalla de la esencia del mito del vampiro. Es decir, consigue embaucar a los espectadores con su maravilloso juego de luces y sombras que hacen que la película tenga un aspecto totalmente tétrico. En este sentido, las localizaciones, los decorados, los efectos especiales y la caracterización de los personajes juegan a favor del film y lo hacen tremendamente convincente. A todo esto, hay que sumar la sublime actuación de Gary Oldman en su papel como protagonista, dando vida a la leyenda del Conde Drácula, un amante desconsolado que carga con una imperecedera sed de sangre.

Asimismo, también es admirable como Coppola ha sabido trasladar al celuloide la obra del escritor irlandés Bram Stoker, principalmente, en su representación de un Drácula pútrido, sanguinario y lujurioso, pero también hipnótico y cautivador. Gracias a estas cualidades, la película en sí misma adquiere las peculiaridades de un vampiro y se convierte en una fuente de gravedad que atrae al propio espectador, que se encuentra constantemente intranquilo e inquieto, pero que no puede escapar a las redes de su metraje. Sin duda, también influye en este encantamiento, el desarrollo de la película mediante el recurso del género epistolar y según los diarios de Mina, Jonathan y el doctor Van Helsing.

El argumento de “Drácula de Bram Stoker” cuenta la historia de cómo el Príncipe Vlad de Balaquia (el camaleónico Gary Oldman) perdió al amor de su vida mientras combatía con ferocidad a los turcos en los Balcanes en el siglo XV. Fruto de esta tragedia, nació su odio y su renegación hasta convertirse en el misterioso Conde Drácula, el más grande valedor de una estirpe de asesinos. Después de varios siglos sumido en la angustia, Drácula descubrirá de nuevo la pasión en la preciosa e ingenua Mina (Winona Ryder), la prometida de Jonathan (Keanu Reeves), un pasante que gestiona algunas de las posesiones del aristócrata rumano. Este abominable vampiro intentará conquistar la atención de Mina, su último contacto sincero con la humanidad. Será entonces cuando entre en escena la estampa del doctor Van Helsing (Anthony Hopkins), el único que conoce los secretos para acabar con esta plaga de muerte y destrucción.

Esta producción no sólo exhibe esta lucha sin parangón, sino que también se recrea hábilmente en mostrar la belleza artística del símbolo vampiril, acompañada de una magnífica banda sonora. Para ayudar a este cometido, se emplea en ciertos momentos de la obra la estética del precario cinematógrafo, lo que igualmente sirve para introducir al público en la época y en el contexto en el que tiene lugar esta historia. Sin embargo, debido a que el film se centra mucho en esta descripción detallada de la figura del Conde Drácula, adolece de un excesivo carácter literario, lo que le proporciona un atractivo inmenso, pero también hace que sea una película lenta y pesada en determinados pasajes.

El final es un fiel reflejo del ideal universal de que el amor es más fuerte que la propia muerte. Y es que, paradójicamente, es el amor que rejuvenece y da vida a Drácula el que también acaba por destruirle. En este punto, es curiosa la contraposición de sentimientos que padece este personaje: por un lado, la codicia por la sangre que le proporciona la inmortalidad y, por otra parte, su devoción por el amor. Esta misma contradicción también se hace patente en la última escena, ya que con la muerte de Drácula a las manos de la persona que más quiere, el Príncipe de las tinieblas puede obtener finalmente la paz y lo que más ansía: reencontrarse con la mujer que el destino le arrebató.

En definitiva, decir que “Drácula de Bram Stoker” es una obra embriagadora, que rebosa talento y fantasía y que está a la altura de la novela original. Además, es una de las mejores apariciones del Conde Drácula en pantalla, lo que contribuye notablemente a agrandar mucho más su mito. Con esto quiero decir que nos hallamos ante una de las mejores películas de la historia del cine y que, a pesar de los “océanos de tiempo” que pasen y pasen, jamás será olvidada. Un 10 rotundo para Francis.

UN HOMENAJE AL MEJOR WESTERN

2009-05-14T02:47:00.000-07:00

Pat Garrett y Billy el niño

Antonio Jarabo Velayos

“Pat Garrett y Billy el niño” es el particular homenaje de Sam Peckinpah a la esencia del western y a todo lo que representa para él. En esta cinta, Peckinpah nos muestra una curiosa historia de amistad de forajidos que no logra perdurar por encima de los imperativos de la ley. La película se convierte, así, en una persecución a muerte entre dos amigos y en una reflexión entre qué es lo que sienten los contrincantes y lo que todos piensan que deberían de hacer.
En definitiva, se puede decir que “Pat Garrett y Billy el niño” no es sólo un duelo entre dos leyendas del lejano oeste que vacían sus revólveres a uno y otro lado de la ley, sino que se trata de una fuerte pugna entre la lealtad y el respeto por un compañero y la ruptura de estos valores morales. Es una pelea entre ‘un padre y un hijo’ en la que, pase lo que pase, no puede haber vencedores.
A la hora de contextualizar esta obra maestra del cine del oeste, podemos decir que se trata de una película clásica del western crepuscular. Los tiempos han cambiado y ya nunca volverán a ser como antes, pero los cuatreros y los forajidos siguen igual, se sienten muy a gusto viendo al margen de la ley, se aferran a una existencia sin reglas, y no son capaces de adaptarse a una vida convencional. Es decir, viven en el pasado, recordando con nostalgia aquellas aventuras en las que los caballos corrían más y el whisky parecía saber mejor.
Este relato está lleno de frases lapidarias, profundas e intensas, de mensajes directos que colman el interés del público, que se siente dentro de un halo de misticismo que hace que la obra le atrape desde sus primeros compases. Sin ir más lejos, se puede destacar la siguiente afirmación: “Estoy cansado de rocas amarillas, cansado de evitar mirar tu fea cara, cansado de ver cómo explotan la tierra, cansado de las mordeduras de las serpientes y de las insolaciones, cansado de esperar a que me maten”. Con estas palabras, Sam Peckinpah resume perfectamente el sentimiento de un género y de una forma de vida agotada.
De este modo, representa la naturaleza del western crepuscular. Todas las casas y establecimientos están destrozados, ruinosos, dejados de la mano de Díos, la gente vaga con el alma en pena, se percibe un clima de decadencia, todos saben que acabarán muriendo tarde o temprano a las manos de un malhechor o un cazarrecompensas.
Pero lo más curioso de esta historia es que, a pesar de que a estos tipos le ha tocado vivir en un mundo tan hostil e impredecible, los personajes están guiados por un código de conducta y lealtad que goza el romanticismo en muchos momentos del film, como sucede, por ejemplo, en el duelo entre Bill Kermit y Billy el niño o cuando Pat Garrett no permite que nadie mutile el cadáver de Billy el niño. Es decir, que en el fondo estos hombres también cumplen unas normas, aunque sean unas normas que ellos mismos han instaurado con el paso de los años.
En cuanto al ámbito espacial, el film se desarrolla en una de las zonas de rodaje preferidas de Sam Peckinpah, en la frontera entre Méjico y Estados Unidos. De hecho, durante este largometraje las referencias a la frontera son constantes. En este sentido, también es de destacar el magnífico empleo de los paisajes y de la música para ambientar el espíritu de la época y la melancolía por los buenos momentos de un pasado glorioso y sin retorno.
En la película, también llama la atención cómo se utiliza en varias ocasiones el recurso de que los personajes jueguen al póker como una vía de escape con la que logran evadirse de la realidad y de todas las preocupaciones por unos minutos, es una especie de paréntesis en el que todos se sienten apaciguados y relajados.
Sobre los personajes, hay que decir que las interpretaciones de James Coburn como Pat Garrett (un tipo duro y curtido que ha decidido cambiar el mal por el bien) y Kris Kristofferson (un pistolero alocado que se guía por sus instintos más rockeros) son sublimes, ya que esta obra consigue que el espectador se sienta identificado con ambos, a pesar de que sus posturas son diametralmente opuestas. No obstante, el papel que realiza Bob Dylan no está a la altura de las intervenciones de sus compañeros y muchas veces resulta simple y prescindible.
El final de la cinta es menos espectacular de lo previsto, ya que después de tanto tiempo de persecución y de idas y venidas, y teniendo en cuenta la habilidad de Pat Garrett y Billy el niño el terreno duelístico, se esperaba un tiroteo más frenético y sangriento. Sin embargo, si analizamos los últimos minutos de la película desde un punto de vista simbólico, se observa una enorme potencia narrativa que se materializa en unas conclusiones bastante demoledoras.
Y es que el personaje de Pat Garrett, con tan sólo un disparo, ha conseguido arrebatarle a Billy el niño todo lo que tenía, pero también se ha convertido a sí mismo en la gran víctima del film: un hombre solitario, repudiado por el pueblo y engañado por las autoridades. Además, es un hombre que debe de arrastrar una enorme losa, la de la vergüenza de ver en lo que se ha convertido. Esta idea se refleja en la escena en la que Pat Garrett, tras matar a Billy el niño, dispara al espejo de la habitación para no ver en él el reflejo de su cobardía
En resumidas cuentas, “Pat Garrett y Billy el niño” es la historia de un país que se hace viejo y de unos personajes que no están acostumbrados a vivir en él tantos años. Es una especie de crónica de una muerte anunciada, la de un género en el que el polvo, las espuelas y la justicia balística están empezando a pasar de moda. Se trata de todo un homenaje al buen cine, al mejor western.

LA CONJURA DE LOS NECIOS

2009-04-03T08:26:00.000-07:00

Así es la vida y así se lo cuento

Antonio Jarabo Velayos

Soy capaz de tantas cosas y no se dan cuenta. O no quieren darse cuenta. O hacen todo lo posible por no darse cuenta. Necedades. Dicen que la vida se puede recorrer por dos caminos: el bueno y el malo. Yo no creo eso. Yo más bien creo que son tres: el bueno, el malo y el que te dejan recorrer.

El bueno lo he intentado andar y no me ha ido bien. Juro que así ha sido. De pequeño hice todo lo que consideré correcto y lo que está bendita ciudad, con sus acordes de ébano y sus insoportables chaquetas a rayas, me inducía a hacer. Estudié profundamente y traté de trasladar mis conocimientos con pasión. También escribí encerrado en un pequeño mundo: juntando frases y frustrándome ante las huidizas buenas palabras y las no menos resbaladizas imágenes. Asumí estar en ese camino porque ese es el modo en el que se consiguen los sueños. Al menos eso creía hasta que un día, cuando tenía todo acabado y faltaba la confirmación de que había decidido bien, no hubo recompensa. No hubo zanahoria. Ahí me di cuenta de que ya estaba caminando, lejos de mi voluntad, por la otra senda. Esa que no es la buena ni la mala. Por ese camino involuntario caminé, llevado de las narices, arrastrado como un palo sin poder animarme.

Tuve que resignarme a ser como ellos me ordenaban, a aceptar sus juicios y sus rechazos. A comprobar una vez más que no todos pueden ver más allá de su aliento. A ser víctima de un sistema que hace de gente como yo infelices zombies. Y hay que tener el espíritu muy bien templado, tal vez como el acero damasquino o más, para afrontar semejante fuerza. Y es que en esta sociedad, sólo triunfan los que juegan sucio.

COLUMNA DE OPINIÓN: ISLAM

2008-05-13T10:33:00.000-07:00

El verdadero abismo

No es cuestión de países pobres o ricos, de creyentes o infieles, de democracias o califatos. El problema de fondo es la ausencia de autonomía e independencia que impera en las regiones musulmanas, sobre todo, en lo que se refiere a la igualdad entre géneros y a la libertad de expresión.

Antonio Jarabo Velayos

La incompatibilidad entre el Islam y la democracia existe desde que sendas concepciones nacieron. En el último siglo, se han dado numerosos intentos de convivencia en muchos países musulmanes. La idea motriz de esta unión se apoya en que el Islam es una religión de amor y concordia, perfectamente preparada para combinar la democracia y los derechos humanos. Sin embargo, la realidad es bien distinta. Y es que el fracaso de la democracia liberal en las sociedades musulmanas tiene su fuente en la naturaleza, en la cultura y en la sociedad islámica, incapaz de compartir las mismas ideas de libertad grabadas a fuego lento en la civilización europea y americana.

Es evidente que los pueblos musulmanes carecen del nivel de libertad que existe en la cultura occidental. Y ese es el verdadero abismo que les separa. Lo que no entiende el Islam del occidental es su enorme grado de libertad, a partir de la cual han podido construirse las sociedades más exitosas de la historia sin la necesidad de uniformar hábitos y costumbres. Por este camino, la cultura occidental ha relegado la religión a lo individual, dando muerte al Dios del pueblo. Por esta razón, al mundo musulmán no hay que ofrecerle democracia. Lo que necesitan es mayor libertad individual. Ese es el único camino para que entiendan que la religión es una decisión personal. Llegados a este punto, creo que para que se produzca una diálogo sin fisuras, es primordial que se conozca la forma de pensar del interlocutor. Por consiguiente, es importante conocer de dónde viene el Islam para saber cuál vía va a tomar en el futuro. De esta manera, es muy útil asimilar una serie de rasgos históricos que marcan la forma de pensar islámica para así no caer en el pecado de ser intolerantes con lo que desconocemos.

Comencemos por el principio. En el año 570 nació en la Meca quien sería el creador de una nueva religión monoteísta. Nos referimos a Mahoma, un comerciante de caravanas, que a causa de sus continuos viajes había podido comprender las dos religiones monoteístas del Cercano Oriente: la judía y la cristiana. Cuando tenía cuarenta años, Mahoma vivió en un sueño la revelación de que el sería, a partir de ese momento, el guía de una nueva religión, el Islam, cuyo significado es “sumisión al Dios Alá”. En su labor de transmitir el mensaje divino, Mahoma se encontró con enormes dificultades, hasta el punto de que en el año 622 tuvo que refugiarse en Medina, ya que los habitantes de la Meca rechazaban la nueva religión. Esto es lo que se conoce como la Hégira, fecha en la que comienza el año cero del calendario lunar musulmán.

Todos estos parajes aparecen reflejados en el Corán, libro sagrado del Islam. Este tratado fue escrito por los sucesores de Mahoma, ya que éste era analfabeto, y en sus páginas se encuentran las reglas básicas a las que deben someterse sus seguidores. Por ejemplo, para ser un verdadero creyente, hay que orar cinco veces por día mirando hacia la Meca, entregar obligatoriamente limosna al necesitado, no beber alcohol, ayunar entre la salida y la puesta del sol en el mes de Ramadán y procurar ir, al menos una vez en la vida, en peregrinación a La Meca. Estos preceptos deben observarse a través de una lucha interior contra toda creencia que se oponga a las reveladas y contra todo pueblo que intente combatirlas. El medio de lucha que propone para ello el Corán es la temida “Guerra Santa”.

En el año 632, se produjo el fallecimiento de Mahoma. Sus cuatro primeros sucesores, llamados califas, fueron parientes suyos, los cuales se encargaron de extender el mundo musulmán por el noreste de África, Persia, Siria y Palestina. Desde entonces, pocas cosas han cambiado en la mentalidad del islamista, pese a ello, la distancia entre ambos mundos cada vez es mayor. Por esta razón, lo fundamental es que, una vez entendida la creencia mahometana, Occidente intente buscar la empatía con la religión islámica para verla con otros ojos y no relacionarla únicamente con el petróleo y el terrorismo integrista. Sólo así podrán dejarse atrás los prejuicios y lograrse lazos de unión entre ambas comunidades.

ARTÍCULO SOBRE LAS RETRANSMISIONES DEPORTIVAS EN TV

2008-05-01T15:58:00.000-07:00

El arte de retransmitir en directo por televisión
Una imagen vale más que mil palabras

Antonio Jarabo Velayos

Cuando uno se sienta el domingo por la tarde a disfrutar del partido de la jornada acompañado de una cerveza o cuando uno se levanta a las cuatro de madrugada para conocer los resultados de un Gran Premio de Fórmula 1, pocas veces se para a pensar en todas las horas de esfuerzo, trabajo y coordinación que hay detrás los señores que nos acercan de forma edulcorada nuestras citas con el deporte. Por esta razón, se puede definir a la retransmisión deportiva, sin lugar a dudas, como un género estresante para los comunicadores que la llevan a hombros, pero también como una suerte espectacular porque se trata de un trabajo que permite provocar emociones, sensaciones y sentimientos en la audiencia. De esta manera, las retransmisiones deportivas logran informar y entretener al destinatario a la vez que aúnan bajo su espacio la emoción y el espectáculo de la rivalidad propia del mundo del deporte.

El concepto de la transmisión por televisión de cualquier acontecimiento supone, simplemente, la posibilidad de difundir tal acontecimiento fuera del ámbito estricto que abarca la visión directa de cualquier persona que pudiera estar contemplándolo in situ. Esta afirmación tan simple es, sin embargo, el origen de todo un complejo proceso de operaciones y actividades que comprenden un buen número de personas y de medios técnicos y artísticos. Esta conjugación posibilita que estos hechos sean vislumbrados por miles de millones de personas en todo el mundo sin la necesidad de que se desplacen fuera de sus hogares, lo que, por otro lado, sería materialmente imposible por la propia capacidad física de los lugares en donde tales eventos se celebran.

Dentro del ranking de los acontecimientos más seguidos por televisión desde que ésta nació, destaca claramente la difusión de los eventos deportivos, que cada día aumenta más su importancia en el ámbito de la comunicación. En esto influye irremediablemente la facilidad de enviar y recibir señales de televisión de una a otra parte del planeta de forma instantánea y la sencillez para los interesados de apretar tan sólo un botón de su televisión para descubrir cómodamente lo que sucede en ese momento en un recinto deportivo. En los últimos años, el deporte se ha convertido en el maná o la fuente de ingresos más importante para las emisoras televisivas. Hacerse con los derechos de imagen de clubes, de los jugadores o de la retransmisión de acontecimientos deportivos ha provocado una férrea lucha entre los medios que incluso ha servido para redibujar el nuevo marco audiovisual del país, sobre todo, a partir de la irrupción de las plataformas digitales. Esta situación ha llevado a que muchos deportes se hayan convertido en el objeto de pelea y discordia entre las grandes empresas multimedia, como sucede, por ejemplo, con la llamada ‘guerra del fútbol’ que tiene en vilo actualmente a Audiovisual Sports y a la Sexta, defendida por Mediapro.

No obstante, una vez que los medios se hacen, por fin, con los derechos de retransmisión de algún acontecimiento deportivo, se produce de nuevo otro inconveniente. Y es que es entonces cuando los encargados de estos programas se ‘estrujan’ la cabeza para encontrar la forma más atractiva posible de presentar tales contenidos. Para alcanzar este objetivo, los medios diseñan una estrategia comunicativa que, sin olvidar un acercamiento informativo al acontecimiento, tiende a espectacularizar el deporte en cuestión con la intención de captar el interés y la atención de la audiencia. Pese a que este tipo de decisiones producen que el periodista deportivo tenga que apostar por el sensacionalismo y la exageración en sus informaciones, dicha espectacularidad aparece como una fórmula necesaria para conseguir el éxito de la retransmisión deportiva, entendiendo que el éxito no consiste en proporcionar a los telespectadores un buen producto, sino en que la cadena de televisión obtenga altas cuotas de pantalla como consecuencia de esa cobertura. En definitiva, como en cualquier otro negocio, lo importante es conseguir dinero contante y sonante y éste sólo se consigue con elevadas cifras de audiencia que aporten jugosos contratos publicitarios en el futuro.

En consecuencia, no es de extrañar que las retransmisiones deportivas televisivas de hoy en día se entiendan como un género periodístico pomposo y rimbombante que, en su empeño por informar en simultaneidad con el desarrollo de una peripecia deportiva, explota las posibilidades comunicativas del medio, determinadas por la combinación de las técnicas narrativas de los profesionales involucrados (periodistas, operadores de cámara, realizadores, operadores de sonido, etc.) y por el uso magistral de las tecnologías disponibles con el deseo de generar beneficios económicos mediante la creación de un drama que sea capaz de mantener a la gente pegada a la pantalla del televisor. Así, el aficionado puede, de acuerdo con su grado de conocimientos y de simpatía por el tema o por sus protagonistas, llegar a sentir y manifestar estados de euforia y alegría descontrolada o, por el contrario, caer en la rabia y el desengaño, según el devenir de su equipo o deportista favorito. Esta es la parte buena de proceso comunicativo, la que se olvida del dinero y se centra en hacer la vida un poco más interesante al público.

Pero, ante todo, las retransmisiones deportivas televisivas son un proceso comunicativo compuesto de dos grandes vertientes. Por un lado, el proceso periodístico, que se corresponde con la construcción audiovisual del acontecimiento que realiza el medio y, por otro lado, el proceso de recepción de lo emitido, que implica la reconstrucción y la comprensión del espectador de todo lo publicado. Si se desea que haya una equivalencia entre lo que se cuenta y lo que se entiende, la improvisación debe dejarse en casa. Como en cualquier otra producción televisual, el trabajo previo a la realización de una transmisión es quizás el más importante, pero en lo que se refiere al deporte, la complicación se hace aún mayor, ya que el trabajo se ejecuta fuera de los estudios de televisión y con frecuencia la emisión se hace en directo, por lo que es imposible el arreglo de cualquier fallo que pudiera surgir durante el desarrollo de la cobertura.

Por consiguiente, para evitar cualquier tipo de error, es básica una profunda preparación de todo lo relacionado con la producción. Debido a que un evento de estas características es algo singular e irrepetible, el espectáculo televisivo que se forma entorno a él debe tener presente de manera general la ubicación, los accesos y los emplazamientos de la zona, los materiales, equipos y personal necesarios, el sistema de transmisión de la señal y la forma de emisión más apropiada, así como la energía eléctrica a utilizar, las comunicaciones internas entre los empleados y todo lo relacionado con la puesta en escena del producto audiovisual.

Con estos fines como pauta a seguir, es habitual en este género la tendencia del productor audiovisual de intentar seducir a los potenciales seguidores a través de la incorporación de nuevas técnicas e innovaciones tecnológicas para conseguir una mayor implicación del público con la competición. En este sentido, un aspecto curioso de estos contenedores visuales es cómo el posicionamiento y el desplazamiento de la cámara se han ido adaptando a lo largo de los años a cada modalidad deportiva, lo que ha propiciado que, en muchas ocasiones, la cámara se coloque en emplazamientos insospechados. Sin embargo, el ingenio y la creatividad de los comunicadores ha enriquecido la calidad de las imágenes registradas gracias a la obtención de planos subjetivos que parecen imposibles, que sirven para refrescar la tradicional retransmisión deportiva y que aportan una ingente cantidad de datos antes inimaginables. Es decir, son perspectivas y ángulos que hacen diferente el visionado de la práctica del ejercicio físico y que con una simple ojeada impactan a cualquier apasionado del deporte.

A modo de ejemplo, se pueden destacar, a grandes rasgos, el uso de cámaras acuáticas en las pugnas vividas en la natación que nos permiten ver cómo los nadadores se sumergen en cada uno los virajes. También es llamativo observar como una estrella de la ACB o la NBA ‘destroza’ el aro en un mate mediante cámaras de televisión que se sitúan justamente detrás de los tableros de las canastas. Igualmente, es necesario mencionar la sensación de velocidad que se transmite con aquellas imágenes rodadas desde los monoplazas de la Fórmula 1 o desde las motos de gran cilindrada de Moto GP, una circunstancia que expone con facilidad todos los detalles y gestos realizados durante la conducción, mientras muestra los riesgos que corren los pilotos en cada tramo. Por no hablar, de aquellos camarógrafos que hacen del ciclismo una hazaña épica y que se juegan la vida ‘apalancados’ en una moto mientras graban la subida del pelotón en un mítico puerto de montaña.

Estos casos son sólo algunos ejemplos de los aspectos que componen las modernas retransmisiones, pero no son los únicos. En los últimos tiempos, junto a la labor fundamental del presentador de guiar y explicar todo lo que sucede en las instalaciones deportivas, han proliferado una serie de importantes elementos gráficos. Estos valen para completar toda la información que el aficionado ha recopilado de las imágenes que ve y de los comentarios que el narrador hace. Pero ahí no queda la cosa, el ascenso de las nuevas tecnologías obliga a los medios a adaptarse y, en ocasiones, reinventarse. Y eso es lo que viene sucediendo desde el año 2006 cuando se produjo la primera retransmisión deportiva, gratuita y en directo por Internet. Desde entonces, esta innovación ha revolucionado la retransmisión deportiva en todo el mundo, ya que los inmensos usos y posibilidades de la red permiten contar con un auditorio tremendamente amplío y heterogéneo, lo que significa todo un reto para los periodistas y, como no, una enorme fuente de beneficios. Las retransmisiones deportivas cambian y se actualizan cada segundo, por lo que es seguro que no habrá que esperar mucho tiempo para volver a vivir una revolución de una magnitud similar a la que existe en estos momentos con Internet. Lo que está claro es que, sea cual sea el formato y la tecnología empleada, en el caso de las retransmisiones deportivas en televisión se cumple a la perfección el dicho de que “una imagen vale más que mil palabras”.

COLUMNA DE OPINIÓN: VIOLENCIA DE GÉNERO

2008-04-29T01:14:00.000-07:00

Fecha de caducidad

La violencia de género se ha convertido en nuestro país en todo un mal endémico que con el tiempo está tiñendo de negro la vida de miles de familias españolas.

Antonio Jarabo Velayos

Mientras se redacta esta columna, ocho mujeres estarán siendo maltratadas en el mundo y en el tiempo que tarden los lectores en leer estas líneas es posible que alguna esposa esté siendo asesinada por su actual marido. Y es que en España cada año mueren en torno a setenta personas a manos de su pareja como consecuencia de la violencia de género. Se trata de una circunstancia que impresiona a cualquiera, ya que al pensar en estas macabras cifras, uno se da cuenta de que en tan sólo diez años han muerto en nuestro país más de setecientas personas. Esta es, a grandes rasgos, la cruel realidad que se vive día a día en millones de hogares del territorio español. Por esta razón, erradicar esta plaga se ha convertido en uno de los principales retos de la sociedad y del Gobierno durante esta legislatura.

En consecuencia con este ambicioso objetivo, surgen varias cuestiones sin respuesta. La principal de ellas es cómo acometer tan importante labor de poner fin a esta lacra. Para ello, la estrategia debe comenzar por comprender el origen de este tipo de actuaciones. Es en este punto es en donde irremediablemente surge el concepto de la desigualdad que aún se mantiene entre el hombre y la mujer, basada en la consideración de que en algunos escenarios la mujer es un ser inferior, propiedad del sexo masculino. Si a este ingrediente le sumamos el papel que juega la personalidad individual del criminal, moldeada por la educación y la cultura en este tipo de casos, obtenemos como producto final la temida violencia machista. Esta idea se relaciona con el hecho de que en las familias donde hay mujeres maltratadas siempre hay niños maltratados y éstos tienen más posibilidades de volverse emocionalmente insensibles al drama, lo que es, en definitiva, caldo de cultivo para nuevos maltratadores. Una vez conocidas las principales causas, ahora es el momento de buscar soluciones, ya que, por el momento, la trayectoria del maltrato sigue siendo tremendamente ascendente, por lo que el final del túnel aún se ve desde muy lejos.

Aunque la perspectiva de futuro es desalentadora, todavía quedan resquicios de esperanza en el horizonte porque en los últimos tiempos se han conseguido avances fundamentales como lograr concienciar a la población y conseguir una rápida reacción ante el problema por parte de la comunidad. De esta manera, tras la magnifica respuesta ciudadana mostrada por este tema, muchos expertos y profesionales de diferentes índoles: sanitarios, psicólogos, forenses, policías, estamentos judiciales y otras instituciones oficiales, asociaciones y medios de comunicación se han puesto a trabajar intensamente para reducir estas altas cotas de acoso y agresión. Gracias a esta movilización, ya se ha dado la voz de alarma para que la mujer identifique los primeros signos de violencia y se ha indicado lo que debe hacer si es agredida. Asimismo, se han propuesto medidas de disuasión y también de castigo contra estas conductas intolerables. Pero lo más importante es que ahora las mujeres han empezado a hablar, lo que hace más fácil que los instrumentos judiciales del Estado garanticen la plena vigencia de sus derechos humanos.

Ante esta situación, la única opción valida que queda por escoger es la de trabajar para confrontar esta brutalidad. Con esto quiero decir que la clave para alcanzar una solución efectiva se encuentra en que todos nos unamos sin condiciones para luchar juntos contra unos hechos que a todos nos avergüenzan. El primer paso para cumplir esta idea ya se produjo en el año 2004 cuando el Congreso Español aprobó, con la unanimidad de todos los grupos políticos, la 'Ley Integral de Medidas contra la Violencia de Género'. Al hilo de tal ley se desarrollaron en todas las comunidades diferentes medidas preventivas, educativas, sociales, asistenciales, sanitarias, penales y de ayuda a la mujer, acelerando la coordinación de las instituciones con competencias en este asunto. Sólo siguiendo estas pautas, se podrá poner fecha de caducidad al que actualmente es uno de los mayores atentados contra la dignidad humana en España.

Reflexiones sobre el pasado

2006-09-07T20:50:00.000-07:00

LA GENERACIÓN X

Antonio Jarabo

El objeto de esta misiva es la de reivindicar una generación, la del 75-85, la de todos aquellos que nacimos en los 80 (un par de años arriba, años abajo), la de los que estamos currando de algo que nuestros padres ni podían soñar, la de los que vemos que el piso que compraron nuestros padres ahora vale 20 ó 30 veces más, la de los que estaremos pagando nuestra vivienda hasta los 50 años. Nosotros no estuvimos en la Guerra Civil, ni en mayo del 68, ni corrimos delante de los grises, no votamos la Constitución y nuestra memoria histórica comienza con las olimpiadas del 92. Aunque no nacimos en una dictadura, siempre hemos tenido una conciencia democrática y la serie Cuéntame nos parece que es una mierda que hace apología del franquismo. Por no vivir activamente la Transición se nos dice que no tenemos ideales y sabemos de política más que nuestros padres y de lo que nunca sabrán nuestros hermanos pequeños y descendientes. Somos la última generación que hemos aprendido a jugar en la calle a las chapas, la peonza, las canicas, la comba, la goma o el rescate y, a la vez, somos la primera que hemos jugado a videojuegos, hemos ido a parques de atracciones o visto dibujos animados en color. Los Reyes Magos no siempre nos traían lo que pedíamos, pero oíamos (y seguimos oyendo) que lo hemos tenido todo, a pesar de que los que vinieron después de nosotros sí lo tienen realmente y nadie se lo dice. Se nos ha etiquetado de generación X y de generación sandwich, y tuvimos que tragarnos "bodrios" como: Reality Bites, Melrose place o Sensación de vivir, y más adelante, A las 11 en casa y Compañeros (te gustaron en su momento, vuélvelas a ver, verás que chasco). Lloramos con la muerte de Chanquete, con la puta madre de Marco que no aparecía, con las putadas de la Señorita Rottenmayer.

Somos una generación que hemos visto a Maradona hacer campaña contra la droga, que nos reímos de un anuncio que decía que si el Madrid era otra vez campeón de Europa, que durante un tiempo tuvimos al baloncesto como el primero de los deportes. Hemos vestido vaqueros de campana, de pitillo, de pata de elefante y con la costura torcida; nuestro primer chándal era azul marino con franjas blancas en la manga y nuestras primeras zapatillas de marca las tuvimos pasados los 10 años. Entramos al colegio cuando el 1 de noviembre era el día de Todos los Santos y no Halloween, cuando todavía se podía repetir curso, y fuimos los últimos en hacer BUP y COU, es decir, los pioneros de la E.S.O. Hemos sido las cobayas en el programa educativo, somos los primeros en incorporarnos a trabajar a través de una ETT y a los que menos les cuesta tirarnos del trabajo... Siempre nos recuerdan acontecimientos de antes que naciéramos, como si no hubiéramos vivido nada histórico. Nosotros hemos aprendido lo que era el terrorismo contando chistes de Irene Villa, vimos caer el muro de Berlín y a Boris Yelsin borracho tocarle el culo a una secretaria; los de nuestra generación fueron a la guerra (Bosnia, etc.) cosa que nuestros padres no hicieron; gritamos "¡OTAN no, bases fuera!", sin saber muy bien qué significaba y nos enteramos de un escandaloso golpe terrorista un 11 de septiembre. Aprendimos a programar el video antes que nadie, jugamos con el Spectrum, odiamos a Bill Gates, vimos los primeros móviles y creímos que Internet sería un mundo libre. Somos la generación de Espinete, Don Pimpón y el panadero farlopero". Los que recordamos a Enrique del Pozo cantando con Ana, Los mundos de Yupi y las pesetas rubias. Nos emocionamos con Superman, ET y En busca del Arca Perdida. Comíamos Phosquitos y los Tigretones eran lo mejor, aunque aquello que empezaba (algo llamado Bollycao) no estaba del todo mal. Somos la generación de "El coche fantástico", "Oliver y Benji” y "Bola de Dragón"... La generación que se cansó de ver las mamachichos. La generación a la que le entra la risa floja cada vez que tratan de vendernos que España es favorita para un mundial. La última generación que veía a su padre poner la baca del coche hasta el culo de maletas para ir de vacaciones. La última generación de las litronas y los porros, y qué coño, la última generación cuerda que ha habido. Esta reflexión está dedicada a las personas que nacieron entre 1975 y 1985, puesto que serán las únicas que comprenderán lo que quiero decir.

La verdad es que no sé cómo hemos podido sobrevivir a nuestra infancia!!!! Mirando atrás es difícil creer que estemos vivos en la España de antes: Nosotros viajábamos en coches sin cinturones de seguridad traseros, sin sillitas especiales y sin air-bags, hacíamos viajes de más de 3h sin descanso con cinco personas en el coche y no sufríamos el síndrome de la clase turista. No tuvimos puertas con protecciones, armarios o frascos de medicinas con tapa a prueba de niños. Andábamos en bicicleta sin casco, ni protectores para las rodillas y los codos. Los columpios eran de metal y con esquinas en pico. Salíamos de casa por la mañana, jugábamos todo el día, y sólo volvíamos cuando se encendían las luces. No había móviles. Nos rompíamos los huesos y los dientes y no había ninguna ley para castigar a los culpables. Nos abríamos la cabeza jugando a guerras de piedras y no pasaba nada, eran cosas de niños y se curaban con mercromina y unos puntos y al día siguiente, todos contentos. Íbamos a clase cargados de libros y cuadernos, todo metido en una mochila que, rara vez, tenía refuerzo para los hombros y, mucho menos, ruedas!!! Comíamos dulces y bebíamos refrescos, pero no éramos obesos. Si acaso alguno era gordo y punto. Estábamos siempre al aire libre, corriendo y jugando. Compartimos botellas de refrescos y nadie se contagio de nada. Sólo nos contagiábamos los piojos en el cole. Cosa que nuestras madres arreglaban lavándonos la cabeza con vinagre caliente (o los más afortunados con Orión). Y ligábamos con l@s niñ@s jugando a "Beso, verdad y atrevimiento" o al "Conejo de la suerte", no en un chat diciendo memeces. Éramos responsables nuestras acciones y arreábamos con las consecuencias. No había nadie para resolver eso. La idea de un padre protegiéndonos, si trasgredíamos alguna ley, era inadmisible, si acaso nos soltaban un guantazo o un zapatillazo y te callabas. Tuvimos libertad, fracaso, respeto, éxito y responsabilidad, y aprendimos a crecer con todo ello. Tú eres uno de ellos? ¡Enhorabuena!

LA TV EN TELA DE JUICIO

2006-05-08T07:43:00.000-07:00

El Negocio de la telerrealidad

Antonio Jarabo

Los reality show han ido siempre acompañados de la polémica y la crítica. Desde que surgieron este tipo de programas, han sido frecuentes los artículos, informaciones, reportajes e incluso editoriales que han señalado los efectos nocivos para la salud social que supone la proliferación de este nuevo género audiovisual que tanta audiencia está consiguiendo reunir. No obstante, la telerrealidad triunfa en todo el mundo y cada vez hay más espacios de este tipo en las parrillas de la programación televisiva. Para mí, los programas de telerrealidad tienen tanto éxito porque exponen lo que no se ve en el resto de los programas y además, al basarse en la realidad, obtienen un mayor acercamiento e identificación del público con los protagonistas de la emisión televisiva.

A menudo son criticados los reality show porque, en vez de cumplir el fin altruista que dicen proponerse (búsqueda de desaparecidos, informar sobre noticias humanas, periodismo de investigación, estudio de conductas sociales…), caen más bien en la explotación del dolor ajeno e incluso, en la humillación de los participantes. También, se ha discutido mucho sobre la veracidad de los hechos mostrados en estos shows, debido a que las imágenes son editadas y a que los resultados de las votaciones telefónicas pueden ser manipulados por los productores. Sin embargo, esa polémica siempre va a existir y en cierta manera, es parte de lo que le da sabor al show. Pero sobretodo, la alarma proviene de aquellas emisiones que no dudan en violar el derecho a la intimidad o al honor y el derecho del público infantil y juvenil a una protección eficaz de su sensibilidad. En mi opinión, está bien mostrar al público los aspectos sociales, el problema aparece cuando se cruzan los límites de la ética y se juega con los sentimientos creando un espectáculo y haciendo una caricatura de la realidad. De ahí, la acusación frecuente a los reality shows de que se dedican a negociar con sangre, dolor y lágrimas.

Los ataques al realismo televisivo son acompañados, en muchos casos, de críticas a los espectadores por su actitud de pasividad al ver todo lo que ponen en la pequeña pantalla sin tener en cuenta la supuesta baja calidad de los contenidos ofertados. Lo preocupante no es sólo la pasividad de los telespectadores a la hora de ver la televisión, sino también el que la gente se va haciendo cada vez más inmune ante lo que aparece en televisión y por tanto, la cadenas cada vez irán buscando formatos más sorprendentes e innovadores pudiendo llegar a límites insospechados con el fin de impactar a la audiencia. En este sentido, pienso que cada uno tiene la suficiente voluntad para ver lo que en ese momento le apetezca, y si hay un gran número de personas a los que les gusta este tipo de programas, hay que respetar su opinión. Puede que este tipo de programas no ayuden a formar a la persona, pero tampoco creo que en la actualidad sean un producto tan perjudicial como se nos quiere vender, ya que cumplen la difícil función de evitar el aburrimiento y evadir temporalmente al público de todos sus problemas. La incógnita está en hasta dónde es capaz de llegar una empresa televisiva con tal de lograr la rentabilidad económica de un espacio audiovisual.

Para comprender el papel de la telerrealidad en la programación, también es preciso conocer el punto de vista de los programadores a los que se les suele acusar de personas frívolas e insensibles. Es cierto que en algunas ocasiones, según mi parecer, rebasan la línea de lo moral con programas en los que, por ejemplo, se muestra paso a paso el post-operatorio de una cirugía estética o aquellos espacios en los que se tienta a la pareja a ser infiel, pero asimismo, hay que reconocer que sin el apoyo de la audiencia esto no sería posible. Es por esta razón que pienso que la culpa de la clase de televisión que tenemos a día de hoy recae tanto en los que producen los contenidos de este medio como en aquellos que deciden consumirlos. Además, si nos ponemos en la piel de las cadenas, hay que entender que si no se aprovechan del tirón de la telerrealidad, se quedarán atrás en la lucha por sobrevivir en este medio. El problema radica en que son los índices de audiencia los que actualmente determinan, en buena parte, la programación televisiva. Es ésta la justificación favorita de los programadores y directivos de las televisiones. Pero la cuestión clave que debemos plantearnos es si la calidad bien promocionada no puede llegar a vender tanto como la “telebasura”. Me parece lógico que la audiencia esté más receptiva a una programación más atrevida y es cierto que la televisión es un negocio que no subsiste sin éxitos económicos, no obstante, yo creo que existen unos límites deontológicos que no hay que sobrepasar por mucho dinero que esté en juego.

Por otra parte, la libertad de información permite que se puedan ofrecer estos espacios, y que sea el ciudadano, en uso de su libertad, el que decida o no engancharse a ellos. Pero para que esta elección sea del todo justa, el telespectador debe contar con varias alternativas a la hora de escoger, por lo que, la progresiva homogeneización de las parrillas televisivas no es un buen síntoma del futuro que le espera a este medio. Al mismo tiempo, hay que recordar que no es verdad que las televisiones sólo sean servidores de lo que el público pide. Al público también se le educa o se le deforma a través de lo que la televisión le proporciona. Por consiguiente, hay que tener en cuenta el importante aspecto de la responsabilidad social y pública exigida a los encargados de la televisión. Por eso, creo que se deberían buscar fórmulas de telerrealidad en las que no se perjudique a nadie, en las que no se aprovechen de la gente y en las que la televisión pueda conseguir limpiar su imagen públicamente.

Este panorama hace pensar que la única solución está en respetar la ética y la estética televisivas y considerar al telespectador no sólo como un cliente que engrose la cuota de audiencia o share, sino como un ser racional que necesita ser informado, instruido y entretenido, y no ser degradado mediante la explotación de su curiosidad por lo morboso. En este sentido, pienso que falta valentía para apostar por productos audiovisuales en los que se cultiven valores más dignos del espíritu humano a través del empleo de la profesionalidad y la ética periodística. Igualmente, los espectadores deben reflexionar sobre qué tipo de programas quieren ver y sobretodo, qué tipo de televisión quieren que haya. Por el momento, todo parece indicar que la gente prefiere desinhibirse con la televisión y disfrutar viendo programas que, aunque no informen ni eduquen a la población, presentan contenidos entretenidos y llamativos en donde, como suele decirse, la realidad supera a la ficción.

CRÍTICA: “El periodismo es un cuento” de Manuel Rivas

2008-04-01T10:15:00.000-07:00

'Efecto Rivas'

Antonio Jarabo Velayos

“El periodista es un escritor que trabaja con palabras, que busca comunicar una historia y que lo hace con una voluntad de estilo”. Esta es la idea principal de la que parte Manuel Rivas para desarrollar una obra que lleva como título “El Periodismo es un cuento”. Se trata de un ensayo en el que se recopilan 59 reportajes que vieron la luz en diferentes medios de prensa y que sirven para demostrar que el periodismo puede ser contado como una historia. Así, el ensayista gallego, siempre comprometido con su país y su contexto sociocultural, hace un magistral repaso del periodismo, de la libertad en España, de la idiosincrasia de otros países y de la figura de algunas de las personalidades que más ha admirado en su vida y entre las que cabe nombrar a Torrente Ballester, Valle-Inclán, Miguel Induráin o Carlos Núñez. No obstante, la exaltación y la promoción de la tradición gallega es la premisa que guía y baña cada una de las líneas de este manual.

De esta manera, el lector se encontrará en sus manos con más de 350 páginas de pura sabiduría y reflexión periodística, divididas en capítulos creativos y atrayentes, de lectura fácil, amena y profunda. Al estructurarse en una serie de cuentos variopintos, el autor debe amoldarse perfectamente al vocabulario y las expresiones propias de cada circunstancia para conseguir introducir al destinatario en todo tipo de mundos. Esta tarea se cumple a la perfección en este repaso por las historias de la prensa. Y, por ello, es en este aspecto en donde el libro encuentra su ventaja diferencial, ya que la polivalencia de los asuntos planteados permite la posibilidad de que cada uno escoja el cuento que más le interese o aquel con el que se sienta más identificado. Del mismo modo, la forma de dar paso a los personajes o a los retratos como si el novelista estuviera acompañado por ellos en el momento en que transcribe la información, proporciona un efecto natural y acogedor que caracteriza a todo lo que rubrica el pensador coruñés.

No obstante, aunque dé la impresión de que el libro consiste en una recopilación de cuentos aislados, en todos ellos hay multitud de referencias y un hilo conductor que los configura de una manera sublime y, todo ello, gracias una exhaustiva labor de investigación y a un valor sentimental difícil de explicar con palabras. Además, la forma en que están redactadas las historias sirve para avivar los recuerdos e, incluso, concienciar al lector de todo lo que le rodea. Y es que, en esta publicación, se dedican muchos párrafos a personas, paisajes y sentidos que la sociedad se empeña muchas veces en esconder o camuflar. Imágenes simbólicas que Rivas recupera con el firme propósito de abrir los ojos a la masa, mientras él mismo se desprende de una parte de su ser, ya que el que fuera fundador de ‘Greenpeace’ en España por el año 1984, aprovecha la ocasión para ensortijar la información con sus opiniones relativas a la política, la religión, la explotación laboral o la injusticia que impera en cada rincón de España.

En consecuencia, se puede decir que el “El periodismo es un cuento” es toda una mezcla recuerdos, reflexiones y fantasías, fundamentadas en una gran labor de documentación y una fuerte dosis de ironía que, en ocasiones, roza la irreverencia. Asimismo, cabe destacar entre sus características generales el tono triste, a veces, solemne del texto, pero siempre suministrando leves rayos de esperanza y tranquilidad al final de cada relato. Es decir, Rivas aparece en esta publicación muy obsesionado por analizar las numerosas tragedias que adolece este mundo desde la pobreza y el trabajo duro hasta el maltrato de la naturaleza y el temor a la muerte, pasando por la desesperación y la hipocresía cosechadas hasta la fecha, pero al mismo tiempo deja una puerta abierta para mejorar en el siglo XXI.

En este sentido, otro punto llamativo de este trabajo es el original uso de las experiencias y anécdotas de la vida de los protagonistas o del propio Manuel Rivas para introducir los temas que se quieren tratar, lo que aporta un carácter íntimo a la obra. Además, apoyándose en este sistema, consigue potenciar el carácter narrativo del periodismo y ofrece una visión en donde el periodismo y la literatura se combinan para explotar el interés del público por conocer la realidad. Porque, según se afirma en este escrito, “para el escritor periodista o el periodista escritor la imaginación y la voluntad de estilo son las alas que le dan vuelo, ya sea en un titular que es un poema, en reportaje que es un cuento o en una columna que es un fulgurante ensayo filosófico”. Por consiguiente, tras esta lectura, se llega a la conclusión de que en cada periodista es bueno que anide un escritor por el bien de la comunidad. Por el contrario, también es imprescindible resaltar que, pese a que el libro cala hondo en la sensibilidad del que lo lee, el uso excesivo de símiles, alegorías y descripciones poéticas, junto a la abundancia de abstracciones, pueden llegar a cansar o hacer complicado el texto, sobre todo, si los contenidos no son tan cercanos para el receptor como para el literato. Esto puede verse favorecido debido a que en estos temas no se tratan grandes acontecimientos sociales. Sin embargo, Manuel Rivas se presenta en esta obra como un experto en acentuar los detalles que parecen más insignificantes, lo que le vale para hacer la redacción más vivaz y obtener un texto más colorido.

En definitiva, simplemente decir que Manuel Rivas realiza con este libro la gran reivindicación de intentar convertir el periodismo en un cuento real y fiel a los hechos porque para el escritor de “El lápiz del carpintero” o de “La lengua de las mariposas”, “si alguien consigue reflejar la realidad a través de un periodismo que comunica desde el corazón, es que es un gran periodista”. En resumidas cuentas, lo que quiero decir es que “El periodismo es un cuento” es una auténtica lección de periodismo en la que se refleja la capacidad de esta disciplina para captar fragmentos de la novela humana en historias singulares, anécdotas y personajes que en la mayoría de los casos no son célebres. Por esta razón, este libro es recomendable para cualquier persona que desee ‘dar una vuelta de tuerca más a su cabeza’ con el fin de sacar conclusiones propias y maduras acerca de lo que sucede en el planeta donde coexiste y lograr salvar así el honor de la naturaleza y de la propia humanidad.

CRÓNICA DEPORTIVA

2008-03-26T05:26:00.000-07:00

‘Los Autos Locos’

Antonio Jarabo Velayos

Una temporada más los bólidos han vuelto a rugir y el olor a queroseno ha inundado los hogares de todos los amantes del motor y la velocidad. Hablamos del espectáculo de la Fórmula 1, la máxima expresión del automovilismo, que ha hecho escena en nuestros corazones por enésima vez. Como ya es tradición, el circuito de Melbourne ha sido la primera parada de este turbulento viaje hacia la gloria. Había expectación por ver cómo arrancarían y rendirían las numerosas joyas de la ingeniería mecánica y se esperaba una guerra de nervios y rivalidad debido a los cambios de cromos de las escuderías con respecto al pasado Mundial. Sin embargo, la carrera superó cualquier expectativa, ya que sólo siete coches llegaron hasta la línea de meta. El motivo de ello fue que las altas temperaturas del asfalto (unos 50º en pista) sacaron a relucir los problemas de fiabilidad de casi todas las marcas, lo que se tradujo en un carrusel de abandonos que rozaron cifras casi históricas (hasta 14 coches quedaron fuera de combate). A esto, hay que sumar que la agresividad de los conductores sigue intacta después de este parón invernal. Un circunstancia que se agradece por el bien del espectáculo.

Pero lo más sorprendente es que entre los vencedores de este arranque no están los Ferrari de Kimi Raikkonen y Felipe Massa (grandes favoritos de esta campaña) y sí el Renault de Fernando Alonso, que logró un valioso cuarto puesto que superó las previsiones de los más optimistas después de los problemas digeridos en la jornada de calificación. Pero, a pesar de este gran resultado, ayer se hizo más que evidente que el R28 de Fernando Alonso necesita una fuerte dosis de inyección para alcanzar una velocidad punta que sea competitiva con los McLaren, Ferrari y compañía. Una mejora que, desde luego, no precisa el coche Lewis Hamilton, que sale de Australia como primer líder del Mundial después de dominar de principio a fin la prueba. Asimismo, tampoco puede quejarse de sus vehículos el resto del podium en el que Nick Heidfield y Nico Rosberg rompieron todos los pronósticos y se colaron en el ‘hall de la fama’.

Con todo esto, lo que no se le escapa a nadie es que el mejor conductor de la actual parilla, Fernando Alonso, tiene por delante todo un reto, nada más y nada menos que competir contra los todopoderosos ‘cohetes’ de Ron Dennis y Jean Todt con una simple ‘bicicleta de pedales’. Ya en este primer duelo, Alonso ha sufrido lo indecible hasta el punto de que era incapaz de adelantar a los Williams, aún con menos carga de combustible que ellos. No obstante, a pesar de la odisea que vivió el asturiano a lomos de su monoplaza, hay que destacar que el Bicampeón del Mundo supo sacar pecho en los peores momentos y demostró que tiene muchas cosas que decir en este Mundial. Pero siempre siendo prudente porque, aunque Alonso ha obtenido un más que meritorio cuarto puesto, también es cierto que se ha visto beneficiado por la suerte del campeón y los problemas de sus rivales hasta en cuatro ocasiones, lo que significa que, por un lado, la mecánica va a seguir siendo un punto crucial en el desarrollo de las carreras y que, por otro lado, el pilotaje de Alonso está guiado por un ángel de la guardia que le ayuda a ‘sacar petróleo’ de donde nadie espera.

En resumidas cuentas, hay que decir que estamos ante un Mundial que no podía haber empezado de mejor forma y que nos hace pensar que tenemos por delante una auténtica montaña rusa en la que todos pueden ser protagonistas gracias a los llamados ‘autos locos’. Es decir, que estamos ante los inicios de un campeonato que se presenta emocionante, a la vez que inquietante, aunque la hegemonía de Hamilton parece clara, por el momento. Veremos qué tienen que decir en las sucesivas citas Raikkonen y Alonso, dos leones enjaulados que siguen muy de cerca la matricula y las evoluciones del británico. Mucha suerte, Fernando, y qué gane el mejor.

CRÍTICA DE CINE

2008-03-26T05:21:00.000-07:00

Puro Coen

Antonio Jarabo Velayos

La última propuesta de los hermanos Coen recupera para la gran pantalla un género que ya no sólo define al celuloide, sino también una forma de entender la vida. Se trata del western o cine del lejano oeste en el que la justicia balística es la única ley que impera en esta polvorienta tierra. Y es que en este film el contexto paisajístico sirve como principal nexo de unión entre cada escena y baña a toda la película de una atmósfera romántica y de liberación. O lo que es lo mismo, es un cine de caza humana, que secuestra el interés del espectador durante casi dos horas bajo la atenta mirada del horizonte como si se tratara de un espectador más.

Por su historia, se puede decir que es una obra de gran impacto, mortífera, oscura, misteriosa, contemporánea e inolvidable, pero a la vez muy desconcertante, ya que genera muchas dudas entre el público. En consecuencia, se crea en ella una atmósfera llena de tensión, que atrapa y mantiene en vilo al espectador, sobre todo, en aquellas escenas de persecución en las que un gran Javier Bardem se convierte, por unos instantes, en nuestro enemigo número uno. El arranque es esplendido, también es muy bueno el ritmo y el tiempo del relato, así como su hipnótica fotografía, lo que hace más sugestiva y entretenida la historia.

Igualmente, es admirable cómo se muestra de forma concisa lo que hace cada personaje. En este sentido, son muy buenas las descripciones de esas actuaciones con multitud de planos al detalle que otorgan mucha importancia a todo tipo de gestos, objetos o acciones, como sucede, por ejemplo, en el momento en que Bardem se cura sus heridas después su primer duelo con Brolin. Por otra parte, la ausencia de diálogos en muchos tramos de la película (sólo se ve lo que hacen los personajes y no lo que piensan) provoca la sensación de que la cámara es alguien más, un testigo de lo que sucede, pero que no conoce toda la realidad de los hechos. Así, cada persona puede concebir su propia idea a partir de lo que ve y disfrutar de la película en función de su forma de ser.

Lo mejor de todo son las interpretaciones como la de Josh Brolin que cierra un año espectacular haciendo un papelazo genial como protagonista: un tipo duro y cínico, pero con motivaciones muy humanas. También destaca la gran actuación de Bardem, que borda su rol de asesino a sueldo. Sin embargo, Tommy Lee Jones tiene una sobria actuación muy por debajo de los magistrales Brolin y Bardem, lo que disminuye la excelencia de la obra. No obstante, lo peor es la frialdad del conjunto y la orquestación desdibujada de las tres historias que componen el thriller. Asimismo, es muy desesperante el suspense que atesora su mensaje. Una circunstancia que puede no agradar a todo el mundo. Esto sucede, por ejemplo, con el final, que deja a la gente con ganas de más acción, ya que se espera algo más impactante para terminar la historia y no tanto el uso de la elipsis y la divagación.

De esta manera, “No es país para viejos” continúa con la estela de los trabajos realizados anteriormente por los directores americanos en los que la crueldad, la tragedia y la sangre tiñen su narrativa. En este sentido, se puede hablar ya de un subgénero clásico de estos autores en el que destacan como rasgos principales el discurso hiperviolento y quirúrgico y el ambiente tenebrosamente sociológico que hace ‘comerse la cabeza’ al auditorio. Por esta razón, esta obra recuerda a otros títulos de relumbrón de los ‘esquizofrénicos’ hermanos como “Sangre fácil”, “Fargo” y “Muerte entre las flores”, un hecho que encumbra aún más este proyecto.

En definitiva, decir que “No es país para viejos” es el film soñado por cualquier escritor de altura, en el que la intensidad fílmica es arrolladora. Buena culpa de ello, lo tiene una dirección que no sólo es buena, sino brillante. Es decir, según mi juicio, estamos ante una película, sin dudas, merecedora de hacer bulto en los anales del mejor cine estadounidense de la época. Por este motivo, todo el mundo que desee ir al cine a descubrir y vivir entre palomita y palomita una ficción que le marque y no le deje indiferente, no puede perderse este ‘peliculón’ al que sin duda le auguramos un gran éxito de taquilla.

COLUMNA OPINIÓN: ELECCIONES GENERALES

2008-03-11T11:58:00.000-07:00

‘Jaque Mate’

Las Elecciones Generales se han visto marcadas por la gran división que existe entre la España de la gaviota y la de la rosa.

Antonio Jarabo Velayos

En esta cita con el sufragio, los resultados han dejado entrever la gran influencia que sufrimos los españoles por el juego del ajedrez, ya que el bipartidismo ha marcado evidentemente el devenir de las Elecciones Generales como si el futuro de un país tan sólo pudiera ser rojo o azul, como si unos fueran muy buenos y los otros muy malos o como si nuestro corazón sólo pudiera palpitar a favor de la izquierda o de la derecha. En este sentido, las recientes elecciones han tenido un claro e indiscutible estratega. Se trata del Partido Socialista que ha sabido aunar bajo su mando a todos aquellos ‘peones’ que se mostraban dubitativos a la hora de ver el vaso medio lleno o medio vacío. Y es que, por primera vez en doce años, la izquierda ha permanecido claramente unida de cara a la siempre delicada decisión de acudir a las urnas. Con estos ingredientes, Zapatero se ha ganado el respeto del auditorio nacional y ha logrado una victoria sin paliativos que confirma, como era de esperar, que la oposición sigue teniendo una imagen muy lejana respecto al pueblo llano.

De esta manera, Zapatero, con De la Vega y Blanco, como alfiles, y Rubalcaba y Solbes, como torres, ha superado con creces a Rajoy, Acebes y al resto de sus gregarios en una batalla que los populares ya tenían perdida desde hace cuatro años cuando el anterior Presidente del Gobierno les dejo en herencia un país resentido y crítico con su gestión. Afortunadamente, para que continúe la pluralidad democrática, lo que ha quedado claro con este plebiscito es que el Partido Popular cuenta con una parroquia fiel y convencida que ha salvado, de momento, la cabeza de Rajoy. Este voto incondicional constituye una buena base para que, mediante un proyecto moderno y una cara más amigable, los de derechas puedan intentar el asalto a la Moncloa en la próxima legislatura. Una guerra que vaticino ganarán porque también es preciso vislumbrar que la derecha ya sabe perfectamente de qué pie cojea. Por esta razón, es muy probable que durante este cuatrienio los populares maduren a fuego lento qué ficha han de mover para que su destino sea exitoso. Para ello, apunten tres nombres que seguro darán que hablar en este periodo de ‘exilio’: Gallardón, Rato y Piqué. Una terna, sin dudas, más acorde con los tiempos que corren hoy en día.

En consecuencia con este ‘síndrome bipolar’, los grandes perjudicados de este referéndum han sido Izquierda Unida y Esquerra Republicana, dos bloques que pasarán cuatro años en el infierno del grupo mixto en donde su palabra apenas tendrá eco. Un ‘jaque mate’ más que merecido debido a que ambas formaciones se han ganado a pulso este castigo, ya sea por sus habituales titubeos o por sus exigencias desmesuradas. Por eso, España ahora les pasa factura. Asimismo, en estos comicios también se han producido sorpresas agradables como ha sucedido con UPyD, un partido de tan sólo cinco meses de vida, que ha cuajado en la opinión pública gracias a sus atractivos programas de igualdad social y al amplio abanico de ideas que ha aportado Rosa Díez. Su premio será en forma de escaño.

Para terminar, creo que en este caos de partidos, escaños y propuestas, es justo felicitar a quien ha salido campeón, pero sin llegar a la euforia porque aún quedan muchas promesas por cumplir y los egos socialistas ya están bastante complacidos.

COLUMNA OPINIÓN: CUBA

2008-03-11T11:54:00.000-07:00

Sin Fidel

El nombramiento de Raúl Castro como presidente de Cuba no supondrá ningún cambio, ya que la sombra del revolucionario Fidel seguirá presente en la isla.

Antonio Jarabo Velayos

A sus 82 años y después de llevar casi medio siglo en el poder, Fidel Castro ha dicho basta y ha abandonado su cargo como primer dirigente cubano. Se trata de una decisión que muchos deseábamos desde hace muchos años y que se ha alargado en el tiempo más de lo esperado. Sin embargo, hay que reconocer que un gobernante no puede sobrevivir al mando durante tanto tiempo sin el carisma y la personalidad extraordinaria del revolucionario cubano. Y es que desde su triunfal desembarco en Cuba en 1956 junto a 82 combatientes del Movimiento entre los que destacaban nombres como el de Ernesto Che Guevara, el líder cubano ha sido el principal baluarte de una rebeldía firme contra la potencia americana. Bajo su dirección, Cuba se ha convertido en un Estado genuinamente independiente que ha torpedeado el monopolio político de Washington, pero que, lamentablemente, ha sumido a sus compatriotas en una enorme pobreza. Por estas razones, para bien o para mal, el nombre de Fidel Castro se catalogará entre los legendarios personajes de la historia contemporánea junto a firmas tan reconocibles como la de Ho Chi Minh, Jawaharlal Nehru, Mao Zedong o Nelson Mandela.

En consecuencia, hay que decir que este éxito obedece a muchas causas, aunque la principal es su poder para evocar sentimientos y emociones en el auditorio. Es indudable que una de las principales características que le han acompañado durante toda su vida es la capacidad para generar polémica con el hemisferio occidental gracias a su ávida retórica. Una cualidad que utilizó en multitud de ocasiones como un pedestal desde el que logró que todo el planeta escuchara sus palabras. En este sentido, cuando se habla del jefe de la revolución cubana pueden suceder dos acontecimientos: o se le defiende con vehemencia, o se le crítica ardientemente, pero nadie se queda indiferente. Sus opiniones pueden ser compartidas o rechazadas, pero Fidel emplea un lenguaje que está al alcance de cada ser humano. Un buen ejemplo de esta idea es su famoso discurso “¡Un mundo mejor es posible!” que atrajo el interés de los medios de comunicación internacionales por el líder político que, al igual que Don Quijote, se mostraba dispuesto a luchar en solitario contra todos los vientos por los ideales de su país. Una circunstancia que, sin duda, fortaleció su posición, ya que como se suele decir, da igual que hablen bien o mal de alguien, lo importante es que se hable.

Y, ¿ahora qué? Es cierto que con la marcha del guerrillero comienza una nueva etapa llena de incertidumbres en el territorio comunista, pero que nadie se engañe, aunque Fidel se va, también se queda porque en la isla caribeña todo seguirá igual. La razón de este continuismo es que su relevo en el pulpito es su hermano, Raúl Castro, todo un títere al servicio de una política fundamentada en una dictadura sin libertades. Prueba de ello, es que la primera medida que ha tomado como mandatario es una propuesta de delegar y consultarle a Fidel los temas más importantes del devenir del país. De esta manera, como era de esperar, Raúl no comprende que el destino no le ha colocado en ese puesto para salvar a una revolución que hundió al país y que casi nadie quiere, sino para enterrarla ordenadamente. Es decir, que su mejor papel debería ser el de dirigir un cambio pacífico hacia una moderna y estable democracia que sirva para abrir a Cuba las puertas del mundo.

ENTREVISTA A JOSÉ ANGEL DE LA CASA

2008-02-16T04:41:00.000-08:00

"Cuando cantas un gol se refleja todo lo que
sientes en ese momento"

Antonio Jarabo

El Curso de Postgrado de Comunicación Deportiva contó la semana pasada con la presencia en sus aulas de uno de los pesos pesados del periodismo deportivo español, José Ángel de la Casa. La intervención del talentoso locutor se centró, principalmente, en dos pilares básicos: la evolución del periodismo deportivo en la historia y la herramienta de la narración deportiva. José Ángel es un hombre por cuyas venas corren miles y miles de horas de locución y es sin duda el narrador deportivo más en boca de todos los tiempos. No en balde, este informador toledano ha estado más de 30 años relatando competiciones olímpicas y citas futbolísticas.

De la Casa es recordado, sobre todo, por ‘dejarse la voz’ retransmitiendo ese emocionante gol de Señor en el histórico partido de España 12 - Malta 1 del año 83 y por ser el encargado de informar de la masacre vivida en Heysel, en la final de la Copa de Europa entre la Juventus y el Liverpool en 1985. También es un comunicador inolvidable por la gran pareja que formó junto al ex futbolista Michel en las conexiones de Televisión Española. Actualmente, compagina su vida familiar con su trabajo como colaborador en Radio Marca. En definitiva, José Ángel de la Casa es, y siempre será, todo un referente en el mundo de los micrófonos.

Después de estar vinculado 30 años a TVE y de haber comentado 300 partidos de la Selección Española, 6 mundiales y 7 juegos Olímpicos, ¿no está cansado del deporte?

No, porque el periodismo deportivo es mi profesión, es mi vida y pienso estar vinculado al deporte hasta que me aguanten las fuerzas.

¿Qué es lo que habría que mejorar del periodismo deportivo que se hace hoy en día?

Es difícil responder a esa pregunta, es muy complicado decir qué es lo que habría que poner y qué es lo que habría que quitar. A mi me gustaría, fundamentalmente, que los profesionales recuperaran la independencia de antaño y que no hubiera tanta vinculación a los medios. Yo echo mucho de menos la frescura que se tenía antes y esa, por lo menos, aparente independencia. Parece que ahora todo el mundo tiene que decir de qué equipo es, cuando desde toda la vida el periodista ha mantenido esa duda. Digamos que antes esa preferencia por un equipo la escondíamos y tampoco se notaba a la hora de realizar un trabajo. Sin embargo, a día de hoy parece que es imprescindible decir de quien eres y a partir de ahí, ponerse a trabajar.

Usted siempre ha dicho que si volviera a nacer, volvería a ser periodista, ¿qué es lo que tiene esta profesión que tanto le enamora?

Simplemente, que es una profesión muy bonita, muy atractiva, tiene muchos lazos con el mundo, con la gente, tiene muchos viajes… me gusta mucho la vida que llevamos. Es como un sacerdocio porque para hacer periodismo, hay que tener una vocación muy fuerte y yo creo que esa vocación nos hace ser a todos un poco especiales.

¿No cree que en los últimos años se ha desvirtuado el periodismo deportivo al caer demasiado en el sensacionalismo?

Yo creo que sí que hay un poco de esto en el periodismo de ahora. Yo creo que esto se debe a que el papel que desempeñan los futbolistas ahora no es mismo, han cambiado mucho. Se han dejado llevar por el mundo de las estrellas y son objeto del mundo del corazón. Antes los futbolistas eran ajenos a todo esto. Recuerdo que hace muchos años, le preguntaba al director de “¡Hola!” que qué tendría que hacer Butragueño para ser portada en su revista y me contestó que, prácticamente, casarse con una infanta. Y yo diría que entonces Butragueño era lo máximo en el fútbol mundial. Pero ahora, se cruza mucho el deporte y el corazón y esa mezcla no es buena ni para el periodismo deportivo ni para el propio periodista.

¿Por qué la Selección Española no vende tanto como puede atraer un partido del Real Madrid o el Barcelona?

Yo creo que la Selección Nacional sí que vende, lo que pasa es que vende tanto como el Madrid o el Barça cuando los partidos son importantes. La Selección Española siempre ha tenido un buen margen de audiencia, pero no cuando se disputan partidos amistosos o encuentros en los que no se juega nada. Yo creo que en los partidos de competición, en los enfrentamientos de verdad, la roja sí que cuenta con el apoyo del aficionado.

¿Sería capaz de volver a narrarnos ahora ese famoso gol de Señor en el partido España-Malta?

Sería imposible porque hace un año Amstel quiso hacer un spot publicitario y me pidieron que les grabara de nuevo el gol. Les dije que era prácticamente imposible porque era un gol tan caracterísitico y tan sentido que la gente enseguida iba a detectar que el gol era falso y a la gente no se la puede engañar. Sin embargo, lo intentamos y estuvimos una mañana entera en un estudio de grabación. Al final, vimos que no quedaba igual, porque cuando cantas un gol se refleja todo lo que sientes en ese momento y eso es irrepetible.

¿Quiénes son para usted los mejores narradores de fútbol que hay actualmente en España?

A mi me gusta bastante Carlos Martínez, y también Juan Carlos Rivero, Manu Carreño, Pere Escobar y José María del Toro. Luego está el surgimiento de Andrés Montes, que a mí, personalmente, me divierte, me distrae, y creo que es una manera diferente de informar y entretener, es una forma provocativa que ha caído bien en determinada gente.

Dada su experiencia como profesional, ¿qué consejo puede darles a aquellos que desean dedicarse en un futuro al periodismo deportivo?

Les diría que el comunicar es una profesión muy atractiva, que requiere mucho esfuerzo y trabajo, pero que sí de verdad les gusta esto, no dejen escapar ninguna oportunidad, que hagan todo lo que les ofrezcan. Esta carrera necesita una gran preparación, también dejar un poco de lado a la familia y a los amigos y, sobre todo, renunciar al tiempo porque cuando los demás están de fiesta o de vacaciones, tú trabajas y nunca puedes disfrutar de un fin de semana, ya que siempre hay competiciones importantes. Quiero decir que vamos un poco al revés de los demás y eso mucha gente no lo entiende, por eso, hay que tener mucha fuerza de voluntad.

REPORTAJE SOBRE LA VIOLENCIA EN EL DEPORTE

2008-02-29T05:45:00.000-08:00

Salvemos al fútbol

El fútbol se puede considerar como uno de los fenómenos sociales más significativos del siglo XX, y el más importante para este siglo XXI. Su capacidad de despertar sentimientos, pasiones, alegrías, tristezas, guerras y fiesta no conoce fronteras. Sin embargo, también hay que decir que el juego no sólo se presenta en el campo, ya que en la tribuna y en los aledaños de las pistas la tensión y la rivalidad están más que aseguradas.

Antonio Jarabo Velayos

El fútbol se encuentra en peligro de extinción. No por qué ya no surjan grandes jugadores que inventen jugadas imposibles y logren levantar a estadios enteros con un simple toque de balón. Sino porque, día tras día, este deporte se está convirtiendo en el sujeto de montañas de noticias de la sección de sucesos debido a la violencia que lleva aparejada. La agresividad en el deporte se práctica de norte a sur en todo tipo de países, culturas y campeonatos, pero lo más alarmante es que este tipo de conductas son vistas ya como algo frecuente fuera de los terrenos de juego. En consecuencia, el fútbol, pasión de multitudes, hoy en día no es sólo un arte, sino que también es, y no de una forma aislada, la excusa perfecta de la que se vale mucha gente para hacer las cosas más terribles y, a pesar de ello, salir impunes.

Y es que en un partido, cualquiera que sea, se pone en evidencia el stress que muchos arrastran de su vida personal y que ‘escupen’ sin piedad sobre sus rivales más cercanos: jugadores, árbitros y aficionados del equipo rival. Así, la conducta del hincha es, en muchas ocasiones, todo un homenaje al hombre del paleolítico. Esta circunstancia hace que estos eventos se asemejen cada vez más a una recreación moderna del circo romano, cuando el derramamiento de sangre se festejaba con gran entusiasmo. Todo esto lleva a que la protagonista ya no sea la pelota, sino el ambiente infernal que se vive en las gradas, un espacio en donde sus adeptos arriesgan la vida sorteando proyectiles, escapando de incendios en las tribunas o sobreviviendo a graves avalanchas con consecuencias inimaginables. No obstante, no es imprescindible que los duelos sean a vida o muerte para que la exaltación, la provocación y la cólera embriaguen a los devotos de este juego. Ni siquiera, es preciso que el enfrentamiento corresponda a una alta competición.

Sin ir más lejos, el pasado fin de semana, Ávila fue testigo de un hecho vergonzoso con el fútbol como principal detonante. Se jugaba un partido de la categoría cadete entre el conjunto de la Escuela de Fútbol del Milán, afincada en la ciudad amurallada, y el bloque Zona Norte, natural de la capital abulense. El choque comenzó con dominio local, lo que llevo a los rossoneros a ponerse por delante en el marcador con un claro 2-0 durante el primer periodo. Estos goles fueron celebrados con gran euforia, quizás de forma excesiva, por los padres y amigos de sus autores. Sin embargo, en la segunda parte, el Zona Norte remontó hasta colocar el 2-3 en el luminoso. Instantes después de que se marcara el tercer tanto, el colegiado del encuentro, Roberto Ortega, expulsó razonablemente al portero del Milán por doble tarjeta amarilla (mano fuera del área). Fue entonces, cuando el mister italiano, Vito Laudani, se llenó de rabia y, alegando cuestiones de discriminación racista, ordenó a sus jugadores que dejaran de jugar, con su consiguiente abandonó del terreno de juego durante más de diez minutos. Tras una fuerte discusión, el encuentro se reanudó con triunfo final para los visitantes por un resultado de 2-3.

Nada más concluir el partido, se inició lo que se podría denominar el tercer tiempo, ya que el padre del portero sancionado y algunos técnicos milanistas (acompañados de una cuadriga de energúmenos) saltaron a la hierba a zarandear al árbitro. Los defensores del equipo rival reaccionaron de la peor forma posible y el campo de El Seminario se convirtió en una batalla campal en la que se vieron implicados más de una treintena de personas. Las consecuencias de este desagradable acontecimiento no se han hecho esperar y el Juez Único de Competición y Disciplina de la Delegación Provincial de Fútbol ha aprobado diversas multas, inhabilitaciones y expulsiones de los contendientes, además de una más que posible pérdida de puntos para ambas entidades. Pero, sin lugar a dudas, el gran perdedor fue el fútbol… y los árbitros, que se niegan a pitar hasta que no cuenten con unas medidas de seguridad que parecen surrealistas para una división en la que participan chavales de entre 13 y 14 años. En este sentido, Santiago Sanz, delegado del equipo de la Zona Norte, ha afirmado que su intención es “que no se enciendan más las cosas” y tratar de que “esto no vaya a más”, aunque sí ha señalado que no son ellos quienes han empezado “esta guerra”. Por su parte, Nacho Sánchez, como representante de la Escuela del Milán, ha manifestado que el interés de su academia “no es quedar campeones, sino educar”.

Lamentablemente, esta historia representa como el fanatismo no entiende ni de escalafones ni de edades. Cada vez crece más el nerviosismo en citas sin trascendencia alguna y sin más recompensa que espolear la propia autoestima. Por esta razón, es necesario que se busquen programas de educación y sensibilización destinados tanto a niños como a adultos, dos categorías que se entremezclan muy a menudo cuando se trata de saber ganar o saber perder con dignidad. Un buen ejemplo a tener en cuenta se localiza en Argentina, en donde el fútbol es más que una religión. Allí, hace un par de años, se creó la asociación “Salvemos al fútbol”. Se trata de una organización no gubernamental formada por seguidores de varios clubes, ex jueces y árbitros, con el objetivo de devolver a esta modalidad deportiva la pureza original con la que brotó allá por el año 1857 con la creación del código de actuación futbolístico conocido popularmente como el “Código Sheffield”. Una reglamentación cuya base perdura todavía con el conocido “fair play”, apostillado por la FIFA en el Mundial de México de 1986.

El juego limpio. Un concepto que ojala asuman, no sólo los futbolistas, sino también las futuras generaciones de hooligans, ultras y tiffosis. El lema a seguir es que la violencia sólo genera más violencia y la consigna más repetida debe ser que el fútbol sólo puede subsistir gracias al respeto, los goles y las banderas. Si ésta premisa es comprendida por todos los amantes del deporte rey, se continuará promocionando al fútbol como un espectáculo de masas, un negocio y una diversión, cuyo principal fin, en expresión del poeta Carlos Murciano, es ser "el descansillo de la escalera de la semana, el prado donde olvidar los desengaños y el paréntesis que sigue transmitiendo entretenimiento, libertad y sueños a millones de almas por toda la eternidad”. Larga vida al fútbol.